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Cultura y Artes

La ópera saluda la mañana en el Festival de Prototipos

“Esta gente no está borracha”, cantó el sábado un coro con extravagantes túnicas azules personalizadas, “porque son las nueve de la mañana”.

Al observar a estos sonrientes artistas en el iluminado Space de Irondale en Brooklyn, me sorprendió descubrir que esta frase sorprendentemente contemporánea era una traducción de un versículo bíblico, Hechos 2:15. Y fue un sentimiento apropiado, sí, alrededor de las 9 am.

En “Terce”, presentada como parte de el festival de prototipos de este año En el nuevo teatro de ópera y música, unas tres docenas de miembros del coro oraban, como lo hacían los cristianos a esa hora desde la época de la Iglesia primitiva. La obra se adapta y toma su nombre de la liturgia tradicional de las 9 en punto, hora en la que se cree que el Espíritu Santo se apareció a los apóstoles en Pentecostés.

En Brooklyn, hay un giro, si no totalmente desconocido: la divinidad que se celebra en esta amalgama folk-alma-evangelio-medieval es, según el guión, una mujer, una madre, «una creadora innegablemente femenina».

Políticamente cargada, luchadora, conmovedora, profundamente seria: “Terce”, creada y dirigida por Heather Christian, encarna Prototype, ahora en su undécima temporada y organizada por Proyectos de Beth Morrison y AQUÍ, el centro de artes en SoHo. (El festival dura hasta el domingo).

La actuación de una hora tuvo la intimidad que es crucial para las mejores ofertas de festivales de este año. Los miembros del coro comunitario que Christian ha organizado cantan, bailan y tocan instrumentos a pocos pasos del público que los rodea. Y, ya sea el clima frío o las constantes malas noticias, esa cercanía resulta dulce y tranquilizadora este enero.

También es dulce y reconfortante en espacios aún más acogedores en HERE, donde Prototype presenta “The Promise”, un ciclo de canciones de rock-cabaret que Wende, una cantante holandesa, concibió con un grupo de colaboradores.

Entre esos creadores se encuentra la compositora Isobel Waller-Bridge, quizás mejor conocida por la música del exitoso programa de televisión de su hermana Phoebe, «Fleabag». Y la letra de “The Promise”, obra de cinco escritores, refleja una especie de sensibilidad de “Fleabag”. Son la voz de una mujer moderna, soltera, divertida, insatisfecha, morbosa, ambivalente en el mejor de los casos acerca de tener hijos, quisquillosa pero vulnerable. “Soy una perra solitaria”, dice el triste estribillo de una canción.

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Acechando inquietamente el pequeño espacio y moviéndose entre los otros tres músicos, Wende tiene una sonrisa traviesa que rápidamente puede dar paso a una ira burlona y una silenciosa desesperación. Su voz es tensa y poderosa pero temblorosa, un poco como la de Fiona Apple: a veces sensual, a veces aireada e irónica. Con una iluminación ingeniosamente variada de Freek Ros, el ciclo de 19 canciones y 100 minutos sigue cambiando de tono y ritmo; canciones con ritmos selváticos fuertes y propulsores coexisten con voces medio habladas al piano.

Si los minutos finales llegan a ser empalagosos sin llegar a desmoronarse, tienen eso en común con “Terce”. Pero así como la proximidad física de los artistas resulta bienvenida esta temporada, también lo es algo de sentimentalismo. Wende de alguna manera logra crear esa rareza: una multitud canta himnos a los que incluso un crítico empedernido se siente obligado a unirse.

“The Promise” y “Terce”, las presentaciones de Prototype que más me recuerdan este año, carecen de trama y personalidad. También de tendencia abstracta, pero en un modo mucho más salvaje y surrealista, está “Chornobyldorf”, una producción en expansión de más de dos horas sin interrupciones en el Teatro Ellen Stewart de La MaMa. Ha viajado valientemente desde Ucrania como una especie de recordatorio nostálgico de los espectáculos ruidosos, desordenados, llenos de desnudez, a menudo serios y generalmente desconcertantes que alguna vez fueron habituales en el centro de Nueva York.

La sinopsis de muchas páginas describe una intrincada génesis de esta “ópera arqueológica en siete novelas”, creada por Roman Grygoriv e Illia Razumeiko. Pero la premisa es similar a “Station Eleven”, el libro convertido en programa de televisión, y la obra “Mr. Burns”: Después de un apocalipsis (el desastre nuclear de Chernobyl es el espectro aquí), una sociedad intenta resurgir de las cenizas aunque queden fragmentos de cultura.

En el caso de “Chornobyldorf”, esto toma la forma de recuerdos revividos pero aún lejanos de la ópera barroca y el canto polifónico, atravesados ​​por erupciones de rabia punk tremendamente amplificada. Los textos son difíciles de descifrar. Los trajes están confeccionados en estilos antiguos ornamentados, pero adornados con trozos de cableado eléctrico, y los instrumentos, muchos de ellos hechos a mano, son aparentemente una colección de lo que quedó cuando el mundo se acabó: percusión, trombón, fliscorno, flauta, música folk. instrumentos de cuerda como la bandura y el dulcimer, acordeones susurrantes.

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El paisaje sonoro cruje y ruge, chirría y hierve a fuego lento, mientras esta pequeña sociedad organiza rituales inquietantemente robóticos e intensamente solemnes, convirtiéndose en una misa a gritos y una danza macabra histérica y culminante alrededor de un enorme medallón de Lenin que cuelga del techo. En una pantalla detrás de los artistas, las imágenes de la película muestran escenas al aire libre, en las que la naturaleza luce majestuosa y casi completamente abandonada por los humanos.

El ritmo lento y estilizado y el simbolismo insular, junto con el vívido elemento cinematográfico y el erotismo arcano, evocan el ciclo “Cremaster” de Matthew Barney. Y aunque la obra es holgada, se apodera de ella una atmósfera onírica; Es difícil decir el significado exacto de una mujer escultural desnuda siendo despojada de los platillos que cuelgan de sus brazos, pero la secuencia es, no obstante, deslumbrante.

“Adoración” es la ópera de teatro proscenio más estándar que Prototype presenta este año. Basada en una película de Atom Egoyan de 2008, la pieza de 90 minutos, que se representa en el Centro Sheen para el Pensamiento y la Cultura en Manhattan, avanza penosamente a través de una trama complicada que involucra el anuncio de un adolescente a sus compañeros de clase de que su padre es un terrorista. (Resulta que no está diciendo la verdad, aunque nunca queda del todo claro cuál es el fin narrativo o emocional).

Poner música a la historia ofrece la promesa de profundizar en los matices de un grupo de personas con problemas. Pero los monólogos tristemente expositivos continúan y siguen en el plúmbeo libreto de Royce Vavrek. Y si bien la partitura de Mary Kouyoumdjian ofrece algo de música sinuosa para cuarteto de cuerdas, su calidad febril parece genérica y eventualmente aburrida; el drama, informe.

Más convincente que cualquier personaje de “Adoration” es Dominic Shodekeh Talifero, el intérprete y protagonista de “Vodalidades” una de las tres ofertas breves de transmisión en línea de Prototype, y ni siquiera pronuncia palabras ni canta.

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Acompañado durante los 16 minutos de la pieza por el cuarteto So Percussion, explora de manera virtuosa pero sutil lo que él llama arte de la respiración, una forma delicada de beat-boxing que inevitable y dolorosamente sugiere el grito de guerra de Black Lives Matter “No puedo respirar”. (Las otras presentaciones digitales son “Swann”, un aria anhelante basada en la historia real de un hombre negro del siglo XIX que vestía drag, y la divertida “Whiteness”, procesada con voz).

“Angel Island” de Huang Ruo, en el Teatro Harvey de la Academia de Música de Brooklyn, profundiza en la oscura historia de la discriminación y la violencia estadounidense contra los inmigrantes chinos, muchos de los cuales fueron procesados ​​en Angel Island en la Bahía de San Francisco.

La estructura de la obra de 90 minutos es elegante: secciones de narración histórica, como en un documental de Ken Burns, se alternan con piezas poéticas para coro, con miembros del coro de Trinity Wall Street cantando las palabras de los escritos encontrados en las paredes de las casas de inmigrantes de la isla. centro de procesamiento. Llenando la pared trasera del escenario hay una pantalla para la marca registrada del artista cinematográfico Bill Morrison, inquietantes manipulaciones de imágenes de archivo borrosas y borrosas, cuyo carácter fantasmal se hace eco del sonido flotante y elegíaco del coro.

La lenta paciencia de la partitura de Huang es una virtud, incluso si las secciones tienden a prolongarse demasiado, particularmente las no corales, con la narración sobre un cuarteto de cuerdas cortada como acompañamiento de dúos balleticamente agresivos para dos bailarines, un asiático. mujer y hombre blanco.

Pero la construcción gradual hacia una conclusión hipnótica fue conmovedora, con repeticiones corales tan implacables como olas en una playa, puntuadas por el ritmo lento y constante de un gong. Me recordó a “Terce”, que termina con el brillo metálico de una lámpara de araña hecha de llaves y cubiertos que se agita suavemente.

En ambos finales había una sensación del potencial de la música y la interpretación (de la comunidad) para limpiar. Para ayudarnos a recordar y seguir adelante.

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