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Cultura y Artes

Frank Stella, artista imponente y maestro de la reinvención, muere a los 87 años

Frank Stella, cuyas lacónicas “pinturas negras” a rayas de finales de la década de 1950 cerraron la puerta al expresionismo abstracto y señalaron el camino hacia una era de minimalismo cool, murió el sábado en su casa en el West Village de Manhattan. Tenía 87 años.

Su esposa, la Dra. Harriet E. McGurk, dijo que la causa fue un linfoma.

Stella fue una figura dominante en el arte estadounidense de posguerra, un innovador inquieto e implacable cuyas exploraciones del color y la forma lo convirtieron en una presencia enorme, discutida sin cesar y en constante exhibición.

Pocos artistas estadounidenses del siglo XX llegaron con su éclat. Tenía poco más de 20 años cuando su gran escala pinturas negras (rayas negras delineadas con precisión separadas por finas líneas de lienzo en blanco) arrasaron en el mundo del arte. Austeros, autorreferenciales, opacos, lanzan un hechizo escalofriante.

En un artículo en la revista Art International en 1960, el historiador del arte William Rubin se declaró “casi hipnotizado” por la “presencia misteriosa y mágica” de las pinturas. El tiempo sólo ratificó el consenso.

“Siguen siendo algunas de las pinturas más inolvidables y provocativas de la historia reciente del modernismo estadounidense”, escribió la crítica Karen Wilkin en The New Criterion en 2007. En 1989, “Tomlinson Court Park”, una pintura negra de 1959, se vendió en una subasta. por 5 millones de dólares.

El señor Stella, un formalista de severidad calvinista, rechazó todos los intentos de interpretar su obra. La sensación de misterio, argumentó, era una cuestión de “ambigüedades técnicas, espaciales y pictóricas”. En una advertencia a los críticos frecuentemente citada, insistió en que “lo que ves es lo que ves”, una formulación que se convirtió en el lema no oficial del movimiento minimalista.

Durante las siguientes cinco décadas, demostró ser un maestro de la reinvención. A principios de los años 1960 animó la fórmula de las rayas con colores vibrantes y lienzos en forma. Más adelante en la década, se embarcó en el tremendamente ambicioso “Serie transportador” – más de 100 pinturas del tamaño de murales repletas de semicírculos superpuestos de colores brillantes, a veces fluorescentes. Las pinturas, inspiradas en esa sencilla herramienta de medición del título, “llevan toda la noción de abstracción cromática a un punto de elaboración casi barroca”, escribió Hilton Kramer en The New York Times.

Expuesta por primera vez en la Galería Leo Castelli de Manhattan en 1967, la serie convirtió a Stella en “un dios del mundo del arte de los años sesenta, que exalta los gustos por las formas reductivas, las escalas intimidantes y los colores artificiales floridos”, afirmó el crítico. Peter Schjeldahl escribió en The New Yorker en 2015. El impacto de Stella en la abstracción, añadió Schjeldahl, “fue algo así como el de Dylan en la música y el de Warhol en más o menos todo”.

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En las décadas de 1970 y 1980, con gran garbo, Stella abandonó el plano pictórico plano y separó sus obras de la pared en ensamblajes erizados de volutas, curvas y espirales de aluminio pintado.

Estas “pinturas maximalistas”, como él las llamó, eran extrovertidas, alegres y llenas de energía, a años luz de la inquietante autoridad de las pinturas negras. Sirvieron como tarjeta de presentación para la siguiente fase del Sr. Stella, como diseñador de grandes obras públicas, como los murales para la Gas Company Tower en Los Ángeles (1991) y la concha en forma de sombrero, formada por cintas de aluminio enrevesadas, que entregó. a la ciudad de Miami en 1997.

Algunos críticos encontraron su trabajo poco atractivo y programático. Harold Rosenberg, escribiendo en The New Yorker en 1970, se burló de las ideas de Stella calificándolas de “estética de tablero de ajedrez”.

Al revisar una exposición de sus primeras pinturas en The Times en 2006, Roberta Smith escribió que su trabajo desde principios de la década de 1980 era considerado por muchos como “intrínsecamente corporativo”. Schjeldahl, en The New Yorker, descartó gran parte del trabajo posterior a 1970 como “modernismo disco”.

Sin embargo, durante la mayor parte de su carrera, Stella se montó en una ola de adulación y un estupendo éxito comercial, impulsado por docenas de exposiciones individuales y retrospectivas en museos de todo el mundo.

Rubin, después de convertirse en director de pintura y escultura del Museo de Arte Moderno, reafirmó su admiración por el trabajo de Stella al convertirlo en el artista más joven en ser honrado con una retrospectiva en el museo en 1970, cuando tenía 34 años. En otra medida sin precedentes, Rubin organizó una segunda retrospectiva en 1987.

Stella fue el primer artista abstracto invitado a dar la conferencia Charles Eliot Norton en Harvard, en 1983 y 1984 (las conferencias se publicaron en 1986 como “Working Space”). En 2015, cuando el Museo Whitney de Arte Americano Reabierta en su nuevo edificio, en la sección Chelsea de Manhattan, la exposición inaugural fue un Stella retrospectivo.

En 2020, el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich en Ridgefield, Connecticut, presentó “Frank Stella's Stars”, un estudio del uso que hace el artista de formas estelares en diversos medios, que culmina en esculturas realizadas en los últimos años.

Frank Philip Stella nació el 12 de mayo de 1936 en Malden, Massachusetts, al norte de Boston, hijo de Frank y Constance (Santonelli) Stella. Su madre había ido a la escuela de arte y luego se dedicó a pintar paisajes. Su padre era ginecólogo y también aficionado a la pintura.

El joven Frank asistió a la Academia Phillips en Andover, Massachusetts, donde uno de sus instructores, el pintor Bartlett H. Hayes Jr., lo expuso al trabajo de Hans Hofmann y Josef Albers.

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En Princeton, donde obtuvo una licenciatura en Historia en 1958, Stella rápidamente se hizo amigo del futuro crítico. michael frito y el futuro pintor de campos de color Walter Darby Bannard.

Nuevamente tuvo suerte con sus maestros. William Seitz, con quien estudió historia del arte, estableció un programa de residencia para artistas en el que el pintor abstracto neoyorquino Stephen Greene impartió los primeros cursos de estudio de pintura y dibujo de la escuela.

Con mucho apoyo del Sr. Greene, el Sr. Stella realizó pinturas gestuales a la manera de Franz Kline y Willem de Kooning. Pero después de ver las pinturas de banderas de Jasper Johns en la Galería Castelli en 1958, adoptó un enfoque más frío y analítico que derivaba sus efectos de la precisión y la repetición.

Después de reprobar su examen físico militar (un accidente infantil le había dejado sin articulaciones en los dedos de la mano izquierda), se instaló en un estudio en el Lower East Side y comenzó a trabajar en las pinturas negras, complementando sus ingresos pintando casas.

En 1961, se casó con Barbara Rose, una estudiante de historia del arte en ese momento, pero que pronto se convertiría en una crítica de arte contemporáneo muy leída. El matrimonio terminó en divorcio en 1969; ella murió en 2020.

Al Sr. Stella le sobreviven su esposa, la Dra. Harriet E. McGurk, pediatra, y sus dos hijos, Patrick y Peter; dos hijos de su primer matrimonio, Rachel y Michael; una hija, Laura, de una relación con Shirley De Lemos Wyse entre sus matrimonios; y cinco nietos.

El reconocimiento llegó a la velocidad del rayo. Su trabajo se mostró en exposiciones colectivas en la Galería Tibor de Nagy y Castelli en 1959. Más tarde ese año, Dorothy Miller incluyó cuatro de sus pinturas en “16 americanos” en el Museo de Arte Moderno, que compró “El matrimonio de la razón y la miseria”. .”

En los años siguientes, Stella apareció en dos exposiciones importantes: “Toward a New Abstraction”, en el Museo Judío de Manhattan en 1963, y “Post-Painterly Abstraction”, curada por el todopoderoso crítico Clement Greenberg en Los Ángeles. Museo del Condado de Ángeles en 1964.

En 1965, fue seleccionado para representar a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia, donde fue el extraño en una alineación llena de pop que incluía al Sr. Johns, Robert Rauschenberg, Jim Dine y Claes Oldenburg.

Para entonces ya había escapado de la estética final de las pinturas negras, utilizando pintura para radiadores comercial para producir obras rayadas en cobre y aluminio y cuadrados concéntricos basados ​​en colores primarios.

En una serie de pinturas posteriores, reconfigura sus lienzos para seguir la geometría de las rayas. Este fue el primero de una serie de movimientos cuasi escultóricos que condujeron a los lienzos moldeados de la serie “Polígonos irregulares”, con sus grandes extensiones de color ininterrumpido, y a las grandiosas y exuberantes pinturas Transportador, sus primeros grandes vendedores, cuya finalización lo llevó a punto de inflexion.

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“A finales de los años 60, me pareció que me topé con una pared con las pinturas de Protractor de gran tamaño”, dijo a la revista Sculpture en 2011. “No pensé que podría llevar el color y la superficie plana más lejos”.

En la década de 1970, comenzó a producir relieves metálicos que progresaron desde la serie vagamente constructivista “brasileña” hasta las series “Pájaros exóticos” y “Pájaros indios”, en las que rizos de aluminio, espirales y marcas parecidas a graffitis sobresalían de un panel de aluminio o red.

Se desvió aún más hacia las tres dimensiones después de visitar Roma a principios de la década de 1980 y estudiar la obra de Caravaggio, cuyo intenso claroscuro y espacio profundo le impactaron profundamente. “El espacio que creó Caravaggio es algo que la pintura del siglo XX podría utilizar: una alternativa tanto al espacio del realismo convencional como al espacio de lo que ha llegado a ser la pictórica convencional”, dijo en una de las conferencias Norton que pronunció en Harvard.

Aunque las obras eran innegablemente tridimensionales, se refirió a ellas como “pinturas maximalistas” o “relieves pintados”.

“No importa cuán escultóricos, tridimensionales o proyectivos puedan ser desde la pared, la forma esencial en que uno los mira y aborda es a través de las convenciones de la pintura”, dijo a The Times en 1987.

Stella continuó explorando su combinación distintiva de pintura y escultura a finales de los años 1980 y 1990 en una serie extendida de 266 relieves en técnica mixta basados ​​en “Moby-Dick”, cuyos 135 títulos de capítulos aplicó a las obras, y en esculturas floridas y ocasionalmente estridentes como “Kamdampat” (2002) y las imágenes generadas por computadora “Scarlatti Kirkpatrick” Serie, iniciada en 2006.

En noviembre de 2021 se instaló en la plaza pública frente al 7 World Trade Center una escultura del Sr. Stella llamada “Jasper's Split Star” (2017), construida a partir de seis pequeñas rejillas geométricas que descansan sobre una base de aluminio.

La gama completa de su trabajo se exhibió en “Frank Stella: A Retrospective”, que abarcó su carrera, en el Whitney en 2015, una muestra descomunal para una figura imponente aunque divisiva, tan obsesionada como Ahab en su búsqueda por replantear la abstracción.

“Incluso los cacharros, como un espantoso montón de aluminio fundido pintado con patrones ondulados y teñidos, exhiben una ambición prodigiosa, de hecho melvilliana”, escribió el crítico Jason Farago en El guardián. “Son obras de un artista que no quiere, es incapaz de quedarse quieto”.

Michael Rosenwald contribuyó con informes.

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