“Vaya”, dijo un hombre cerca de mí cuando las cortinas se abrieron.
Él, yo y un par de cientos de personas más habíamos estado esperando en una gran sala en Shed, el centro de artes en Hudson Yards en Manhattan. Se escuchaba una música de fondo portentosa y mareada, como si un encuentro alienígena fuera inminente.
Entonces esas cortinas se abrieron y apareció una habitación mucho más grande: el vasto espacio McCourt del Cobertizo, en el que una esfera, de 65 pies de diámetro y picada como queso suizo, había sido suspendida del techo lejano y bañada en luz roja.
Esta vista deslumbrante, de hecho, inductora de «whoa», fue la esfera sónicauna realización del diseño de una sala de conciertos del brillante e incomparable compositor Karlheinz Stockhausen (1928-2007), quien inspiró a Alemania a construir el primero para la Exposición Mundial de 1970 en Osaka, Japón.
Stockhausen, un empresario de la experimentación electroacústica y nociones extravagantes como un cuarteto de cuerdas tocando dentro de un helicóptero, imaginó al público de su «Kugelauditorium» sentado en un nivel permeable al sonido dentro de la esfera, de modo que los altavoces también pudieran colocarse debajo. como vueltas y vueltas, ellos.
Durante los seis meses que estuvo abierta la exposición de Osaka, cientos de miles de personas vinieron y escucharon música grabada adaptada para las posibilidades de reproducción en vivo, así como presentaciones en vivo. Luego, durante el siguiente medio siglo, la idea permaneció latente; El Carnegie Hall y el Musikverein de Viena permanecieron intactos, sin haber sido reemplazados por esferas gigantes.
Entra, hace unos años, un equipo liderado por Ed Cooke (cuya biografía lo llama “un explorador multidisciplinario de la conciencia”), el diseñador de sonido Merijn Royaards y Nicholas Christie, director de ingeniería del proyecto.
Han construido Sonic Spheres en Francia, Gran Bretaña, México y Estados Unidos. Cada vez, como la planta en «La pequeña tienda de los horrores», el artilugio ha crecido. La iteración Shed, abierta hasta fines de julio, es la primera en colgar en el aire, a un costo de más de $ 2 millones.
Al igual que en Osaka, algunas de las presentaciones ofrecen música grabada; algunos, en vivo. El sábado, subí los muchos escalones hasta la entrada de la esfera y me recliné, como todos los demás, en un cómodo asiento tipo hamaca, escuchando a los seductoramente hoscos. álbum debut de 2009 de la banda británica the xx. Cuarenta y cinco minutos después de que terminara, el pianista Igor Levit apareció en persona para interpretar, para una audiencia fresca, la obra de Morton Feldman. “Palacio de Mari,” de 1986.
Las luces, en colores y configuraciones que tendían a cambiar con el ritmo de la música, jugaban en la piel de tela de esta gran bola de Wiffle. Pero para una audiencia que podría estar viendo los espectáculos de estadio de alta definición de Beyoncé o Taylor Swift este verano, las imágenes eran borrosas y rudimentarias; este fue el aspecto de la presentación que se sintió más atrapado en 1970.
Y la experiencia de audio que emergió de los 124 parlantes no fue notable en el mejor de los casos. El remix xx separó muy bien el bajo, saliendo palpable pero no demasiado fuerte de la parte inferior de la esfera, de las voces alrededor y arriba. Sin embargo, sin un final convincente, y la intimidad susurrante del álbum se sobredimensionó en una grandeza mucho más suave.
La situación era más angustiosa para Levit. Mientras que los acordes sobrios y espaciosos de “Palais de Mari” se registraron más o menos limpiamente, con solo una ligera borrosidad, el sonido fue turbio para la coral de bach tocó como preludio; fue el desafío perenne de amplificar instrumentos acústicos, multiplicado por 124. Y la iluminación nerviosa, una colaboración entre Levit y el artista Rirkrit Tiravanija, difícilmente podría haber sido más incomprensible de la austeridad glacial de Feldman.
A pesar de toda la genialidad mejorada de Sonic Sphere, la programación del sábado se sintió como un repaso de artistas que eran más interesantes cuando Alex Poots, el director artístico de Shed, los presentó durante su paso por Park Avenue Armory en la parte alta de la ciudad.
Allí, en 2014, the xx realizó una célebre residencia (en vivo) frente a solo unas pocas docenas de personas por espectáculo. Levit, al año siguiente, interpretó a Bach como parte de un ornamentado ejercicio de concentración orquestado por Marina Abramovic. (¿Terminará él, ahora un elemento fijo de los espacios menos convencionales de Nueva York, colgando boca abajo del piano una vez que el Perelman Performing Arts Center abra este otoño?)
Esos shows de Armory fueron más memorables que cualquiera de los sets de Shed. Ambos el sábado duraron menos de 40 minutos, pero me encontré inquieto mucho antes de que se acabara el tiempo. Quizás el público de Burning Man, la bonanza hedonista tecno-hippie en el desierto de Nevada donde se construyó una Esfera Sónica el año pasado, estaba más absorto, experimentándolo con drogas más duras que la Coca-Cola Zero que había tomado con la cena.
Sobrio, nada de la música fue más interesante, efectivo, iluminado o esclarecedor en este espacio de lo que hubiera sido en cualquier otro lugar. Estaba claro que el punto principal era la primera revelación, cuando se abrieron las cortinas y salieron los teléfonos de todos, listos para publicar imágenes de algo grande y glamoroso en las redes sociales.
Entonces, millones de dólares para el cebo de Instagram, pero bien, si sus creadores no lo promocionaron como «un instrumento ilimitado de empatía» que es «experimental, experiencial y comunitario». De hecho, me sentí más distante de mis compañeros de audiencia en la Esfera Sónica, incluso de los que estaban reclinados a mi lado, que en cualquier sala de conciertos tradicional.
En esto, la esfera es similar a la otra oferta actual en The Shed: un extraño simulacro de realidad virtual de un concierto de piano solo del compositor Ryuichi Sakamoto, quien murió en marzo.
¿Empatía? ¿Experiencia comunitaria? No, el espectro parecido a un holograma de Sakamoto era más vívido y sustancial que las otras personas que miraban conmigo, quienes, mientras usaba las gafas VR, se desvanecían en una fantasmalidad transparente.
El texto de la pared en la sala de espera de Sonic Sphere reconoce que la tecnología puede aislarnos unos de otros, pero agrega que ese no debe ser necesariamente el caso: “Necesitamos que nos deleite e inspire, no solo pasivamente, sino de manera que provocar la acción”.
Pero, al igual que con tanta tecnología ambiciosa, estúpida, decepcionante y, en última instancia, deprimente, la acción que provoca este costoso espectáculo es simplemente un momento pasajero de «whoa».
