Este artículo es parte de nuestra sección especial Diseño sobre nuevas interpretaciones de estilos de diseño antiguos.
Enfrentando las realidades de la fabricación en masa
Los aproximadamente 40 diseñadores representados en “Ciclos de vida: Los materiales del diseño contemporáneo”, que se inaugura el sábado en el Museo de Arte Moderno, trabajan con materiales que pueden repararse a sí mismos, o transformarse de desechos en objetos refinados, o representar un matrimonio de tecnología avanzada y artesanía tradicional. Su objetivo es reducir la brecha entre los ideales del diseño y las realidades de la fabricación en masa, con sus numerosas amenazas humanas y ambientales.
El estudio de diseño italiano Formafantasma, por ejemplo, recogió chatarra de teléfonos móviles y metal reciclado para crear su Ore Streams Low Chair (2017), un comentario sobre la gran cantidad de desechos electrónicos que hay en el mundo. (Los planos en ángulo de la silla evocan un teléfono plegable).
«No hay necesidad de sacrificar el placer, el deleite y la elegancia para ser responsable con el futuro del mundo», dijo Paola Antonelli, curadora principal de arquitectura y diseño del MoMA, quien organizó la muestra de 80 objetos, la mayoría de ellos extraídos de la colección del museo. , con Maya Ellerkmann, asistente curatorial.
Para la única pieza encargada de la exposición, la diseñadora y científica arquitectónica Mae-ling Lokko, radicada en Ghana, creó un panel de pared hecho de fibra de hongo, cáñamo y fibras de kenaf. Antonelli dijo que admiraba el trabajo de Lokko por su enfoque forense y poético a la creación de materiales renovables de base biológica.
“Hoy”, dijo Antonelli, “queremos saber qué tipo de impacto tendrá un material en un edificio, un proyecto, el mundo”. ¿De dónde vienen los materiales y dónde van a terminar? ella preguntó. «El objeto es sólo un momento de su ciclo de vida». Hasta el 7 de julio de 2024. moma.org. — LAURA RASKIN
Un parque reinventado a lo largo del río Mississippi
El parque Tom Lee en Memphis, una franja verde de 30 acres y una milla de largo a lo largo de la orilla del río Mississippi, está reabriendo al público luego de una importante renovación.
Desarrollado por Memphis River Parks Partnership con un plan maestro y arquitectura de Studio Gang y paisaje de SCAPE, la reinvención transforma una franja árida de césped irregular en un entorno animado por plantas y árboles nativos.
Una pieza central es el Sunset Canopy, un pabellón de 16,000 pies cuadrados compuesto por columnas de acero en forma de trípode que sostienen vigas de madera laminada rematadas por 79 elementos de techo piramidales que traen luz natural al interior. La estructura, que se inspira en la historia industrial de la ribera del río, contiene múltiples canchas de baloncesto y servirá como un espacio flexible para actividades comunitarias y conciertos. Estaba dedicado a Tire Nichols, el hombre negro de 29 años que fue golpeado mortalmente por agentes de policía de Memphis en una parada de tráfico en enero.
James Little, un artista nacido en Memphis conocido por sus precisos trabajos de abstracción geométrica, tradujo una pintura que creó en 2017, llamada “Experimento democrático”, para la superficie debajo y alrededor del dosel. La nueva obra de arte es una composición vibrante de barras diagonales en tonos de azul, verde, ámbar quemado, amarillo mostaza y chartreuse.
“Al principio, tenía problemas con la idea de que la gente saliera y jugara baloncesto además de mi imagen, pero tuve que superar eso”, dijo Little. El artista de 71 años reside en Nueva York y recibió un impulso tardío en su carrera el año pasado, cuando estuvo representado en la Bienal del Whitney, una ciruela que se le había escapado durante más de cuatro décadas.
La obra de arte del pabellón, de 20.000 pies cuadrados, le ayudó a afrontar su miedo a trabajar a gran escala, dijo. Y ahora está adoptando la naturaleza interactiva y democrática del proyecto, que lleva el arte a ciudadanos que normalmente no visitan museos. «La pieza es algo a lo que nadie debería sentirse no invitado; es literalmente para la gente», dijo. tomleepark.org. — BETH BROOME
Un puesto avanzado en Nueva York para azulejos nuevos y antiguos
El hotel boutique de Lee Thornley en Cádiz, España, el retiro rural Casa La Siesta, fue el impulso detrás de su marca de azulejos hechos a mano Bert & May. Con sus paredes y pisos adornados con azulejos antiguos que el Sr. Thornley recogió en su camino al vertedero, la pintoresca propiedad es admirada por su estilo morisco.
«Los invitados siempre elogiaban los azulejos y preguntaban dónde los encontrarían para sus propios hogares», dijo. “Eso me llevó a empezar a buscar más y a ponerlas a la venta”.
Fundada en 2013, su empresa con sede en Londres fabrica sus propios azulejos y también obtiene antigüedades. Ahora se está expandiendo a la ciudad de Nueva York con un puesto de avanzada en Incolor, una tienda de pintura y sala de exposición de colores en 100 Lafayette Street, cerca de TriBeCa, dirigida por Martin Kesselman, un diseñador de interiores.
Inaugurada el martes, esta sucursal de Bert & May mostrará su paleta completa de 40 pigmentos. Los azulejos hechos a mano, dijo Thornley, son “tan relevantes hoy como lo fueron hace 100 años y lo serán dentro de 100 años”.
Los pilares de la colección incluyen las baldosas hidráulicas Amanacer, un retroceso mediterráneo esculpido con un rosa suave y una base amarilla. También hay un azulejo dorado con un patrón triangular geométrico que Thornley creó para Anthropologie y una serie de rayas en un frutero de tonos.
Bert & May cuenta entre sus clientes al príncipe Harry, a la actriz Sienna Miller y al club privado Soho House, todos ellos empresas continentales con vínculos con Estados Unidos y el Reino Unido. Construir una casa en Nueva York era lógico, dijo Thornley: “Se siente bien e incluso seguro”. bertandmay.com. — SHIVANI VORA
Un arquitecto paisajista dona décadas de sus fotografías
Alan Ward, arquitecto paisajista, ha tomado miles de fotografías durante cuatro décadas de viajes a paisajes moldeados por sus colegas, pasados y presentes. Director de la firma Sasaki con sede en Boston desde hace mucho tiempo, ha documentado círculos de piedra neolíticos en Gran Bretaña, caminos rectilíneos de la realeza francesa, hileras de robles ahora perdidas plantadas en la década de 1960 en el Aeropuerto Internacional Dulles en Virginia y recientes reordenamientos de sillas metálicas móviles y Mesas de ping-pong en el Bryant Park de Manhattan.
Ward, de 73 años, está entregando su archivo de imágenes a la Fundación Paisaje Cultural, una organización de educación y defensa sin fines de lucro con sede en Washington, DC Conocida oficialmente como Alan Ward Portfolios of Diseñado Paisajes, se incorporarán a las bases de datos públicas en línea de la fundación con miles de otras vistas históricas y contemporáneas del terreno. Charles A. Birnbaum, presidente y director ejecutivo de la fundación, dijo que los portafolios documentaban “obras de arte efímeras” en momentos particulares, así como “la intención realizada por los diseñadores” a medida que los paisajes maduran.
Ward pasó dos años organizando su inventario de impresiones, negativos, transparencias y archivos digitales para la donación. Principalmente fotografía en blanco y negro, lo que aporta un “nivel de abstracción”, dijo. Investiga intensamente los sitios antes de sus viajes, pero al llegar, dice: “Trato de dejar todo eso atrás”, para sumergirme en los caracteres distintivos de los lugares. Ha regresado a algunos miradores año tras año y en distintos momentos del día. Al amanecer, la Place des Vosges en París puede ser una composición serenamente despoblada de arcadas de edificios de piedra, arboledas en forma de L y césped, pero al mediodía, dijo Ward, los lugareños y visitantes ocupan «todo el pasto». tclf.org. — EVE M. KAHN
