Las nuevas galerías europeas del Met presentan 6 pinturas imperdibles

Deje entrar la luz. Cinco años después de que el Museo Metropolitano de Arte iniciara una importante renovación de sus galerías de pintura europea, el inmueble de primera categoría situado en lo alto de su gran escalera está abierto de nuevo. Arriba en el ático, los arquitectos Beyer Blinder Bella han reemplazado 30,000 pies cuadrados de tragaluces por primera vez desde la administración Truman. Abajo, en las galerías, los diseñadores del Met ampliaron las habitaciones, reorganizaron las líneas de visión y revestiron las paredes de color púrpura y azul. Los curadores han reunido toda la colección de pinturas por primera vez desde 2018, la han barajado en 45 nuevas galerías y la han bañado en una luz bellamente templada.

El trabajo se realizó en dos fases, por lo que los visitantes pudieron probar la iluminación uniforme y sin sombras cuando el Met presentó una muestra abreviada en una fracción de estas galerías en 2020. (Cuando se trata de luz, esta institución de Nueva Ámsterdam definitivamente se inclina más hacia los holandeses que el italiano.) Resulta que los nuevos esfuerzos por iluminar no sólo están por encima de tu cabeza. Durante más de un siglo, el Met había organizado estos cuadros por escuela nacional, con todos los cuadros italianos en un lado y todos los holandeses en el otro. Ven ahora y encontrarás el arte de todo el continente a lo largo de un único camino cronológico, comenzando desde principios del Renacimiento en el centro de Italia y terminando unos 500 años después en Francia y España.

Esta nueva exhibición recorre los Alpes de un lado a otro, zigzaguea fuera de las pistas y, en algunos lugares, salta a la era moderna. Aquí se esconden un Bacon, un Beckmann y un Kerry James Marshall. La extravagante Virgen con el Niño de Duccio, pintada en Toscana alrededor de 1300, comparte ahora una vitrina con la pintura de Ingres sobre el mismo tema de 1852. Verá nuevas adquisiciones, sobre todo de mujeres de los siglos XVII y XVIII, y recién favoritos limpios, sobre todo “Aristóteles con un busto de Homero” de Rembrandt brillando a través de la melancolía.

Al igual que con la reinstalación del Museo de Arte Moderno en 2019, estas rupturas en la cronología a menudo parecen seguras, incluso redundantes, y carecen de la casualidad que desearías en un movimiento que rompiera la línea del tiempo. (Picasso se sienta junto a los ectoplasmas alargados de El Greco, quizás su influencia más explícita de un viejo maestro. ¿Por qué no probar con Giacometti o Lynda Benglis?) Un poco más de ingenio, un poco más de equivocación estratégica podrían revelar más que estos anacronismos coincidentes, pero En los próximos años, estoy seguro de que las pinturas aquí se mezclarán con amigos asiáticos, africanos y americanos, así como con las artes decorativas.

Sin embargo, en general, este nuevo talento es un francotirador, con argumentos astutos y miradas renovadas sobre geografía, religión y medio. Debuts recientes, como un fenomenal Virgen y Niño de la Bohemia del siglo XIV, comienza a impulsar el Renacimiento temprano más allá de Italia y Flandes. Imágenes devocionales sin complejos y ornamentadas de lo que hoy son México, Perú, Bolivia y Ecuador revelan la transformación colonial del arte “europeo” (que significa “católico”). Y como los museos menores han ofrecido La autoflagelación como única respuesta. a los males del pasado, el Met es en realidad pensamiento sobre cómo sus pinturas europeas reflejan, distorsionan o cuestionan las virtudes y vicios que un continente desató en todo el mundo. Sus curadores, encabezados por el jefe del departamento Stephan Wolohojian, no se moleste, pero tampoco se saltan una pelea; su exhibición les habla a los adultos.

Con unas 700 imágenes, puede resultar difícil saber por dónde empezar. Mi sugerencia es centrarse aquí en seis caras: masculina y femenina, humana y divina, europea y otras. El rostro es el foco central de la pintura occidental y su desafío central. (Durante siglos, un artista que firmaba su nombre en un lienzo podía haber pintado solo las caras y las manos; se podía llamar a asistentes para ejecutar el resto). Junte estos seis, mire fijamente sus 12 ojos y podrá aproximadamente mapear la empresa cultural europea que se ha convertido en una herencia global.

Comienza en la galería 601 con un rostro muy familiar sobre un pequeño rectángulo de madera, pintado en Italia entre 1350 y 1370. El Hijo de Dios nos mira directamente con ojos grandes y tristes, enmarcados por una gran frente y cabello castaño rojizo. Labios pequeños. Nariz alargada. Algunos mechones de bigote. Un triángulo afilado donde dos músculos se encuentran con el mentón.

El rostro de Cristo ocupa sólo la mitad inferior del panel, y alrededor de su cabeza, el fondo dorado ha sido punteado con herramientas de perforación para sugerir un halo. Arriba hay dos ángeles, tan similares y simétricos que bien podrían estar cortados y pegados, que sostienen entre ellos una gran tela, parecida al velo que Verónica presionó sobre el rostro de Jesús en la Vía Dolorosa.

Estamos en una época en la que la imagen, tan presente en la teología cristiana, se estaba convirtiendo en un componente central del culto. Y el pintor, que antes se contentaba con ilustrar libros o cubrir paredes con frescos, ahora trabaja con paneles de madera independientes.

Entonces, quien pintó este panel, pudo haber sido Niccolò di Tommaso; en cualquier caso, se trataba de un seguidor de Orcagna, el principal artista de la Florencia del siglo XIV, cuyo objetivo era producir algo más que una representación. Este fue un ejemplo tangible del Verbo hecho carne y, por lo tanto, no una violación del Segundo Mandamiento. (Los curadores notan que este panel no tiene marcas de bisagras en la parte posterior, lo que sugiere que podría haber sido pasado y besado durante la liturgia).

Y entonces, en Italia y los Países Bajos, en los años posteriores a 1350, comienzan los rumores. Los arquitectos y artistas comienzan a estudiar a sus predecesores de Grecia y Roma. Los eruditos y teólogos comienzan a adoptar un nuevo enfoque de la investigación filosófica, menos escolástico y más racional. La palabra para esto es “Renacimiento”, y aquí en el Met no puedes perderte el cambio radical. Un nuevo naturalismo. Un nuevo individualismo. A partir de este momento el hombre (y también la mujer, en raras ocasiones) se basta a sí mismo.

Son las 1446 ahora. En la floreciente Brujas, entonces el puerto más grande de Europa, un monje cartujo posa para un retrato de Pedro Cristo, miembro autorizado del gremio de pintores local. La luz proyecta suaves sombras desde la espesa barba del monje sobre su túnica color humo. Mire junto a sus labios, el bulto delicadamente representado en su mejilla derecha (a la izquierda en la imagen). En la frente: tiene arrugas delicadas, vena elevada. Él no está orando. Simplemente nos está mirando, de perfil tres cuartos, con ojos de un verde grisáceo acuoso.

Lo que hemos visto, pasando de la monotonía del Cristo florentino a los tonos estratificados del monje holandés, se encuentra entre las mayores revoluciones de los nuevos medios en la historia del arte occidental. Ese nuevo medio fue la pintura al óleo: un avance tecnológico flamenco que hace que las pantallas planas y los algoritmos de San Francisco parezcan un juego de niños.

A diferencia del pigmento a base de huevo de secado rápido utilizado para la cabeza de Cristo, la pintura al óleo de secado lento permitió a artistas como Christus representar iris acuosos, vello facial erizado, mármol reflectante y joyas relucientes. Aplicada gruesa o finamente, mezclada húmedo sobre húmedo, la pintura al óleo se convertiría casi en la expresión química del humanismo renacentista. En la parte inferior de la pintura, posado sobre un marco ficticio, Christus incluso pintó una mosca: un recordatorio de que el hombre representado no era un símbolo eterno, sino un ser humano con una vida pasajera.

Galería 612: Por amor al dinero

Si “Europa” tiene algo especial en el contexto de un museo de arte global, aquí lo tiene: un compromiso sin precedentes, desde 1400 en adelante, con los detalles de la persona individual. Ha llegado a una muestra transalpina de retratos del siglo XVI, que representan a nobles, eruditos y nuevos ricos. Alemanes como Hans Holbein y Lucas Cranach el Viejo se mezclan con Tintoretto, Veronese y otros italianos. Los modelos posan vestidos con telas finas y hacen alarde de elegantes accesorios intelectuales.

La adquisición más reciente, donada el año pasado, es un retrato del banquero y mecenas de las artes italiano. Bindo Altoviti. El manierista Francesco Salviati lo pintó en 1545, no sobre lienzo ni madera, sino sobre un bloque de mármol de una pulgada de espesor. Dedique tiempo a observar el ceño fruncido y las manos algo arrugadas, registros de los dolores de cabeza políticos que surgen al otorgar crédito a papas y príncipes.

Opulencia loca: un abrigo forrado de pelo tan grueso como su barba, y por todas partes parece más aterciopelado. La historia del arte, entonces y ahora, es también la historia de la banca; y recuerden, la usura todavía era un pecado mortal. Dos siglos después de la “verdadera imagen” de Cristo, estas pinturas de financieros del Renacimiento logran un tipo diferente de transubstanciación: de vanos lujos a la alta cultura.

Galería 637: Días de Mercado

Y, sin embargo, la pintura europea nunca abandonó inespecífico rostros, en rostros como tipos: santos y símbolos, especímenes de clases sociales y (más tarde) representantes de las “razas” que Europa inventaría. Llegamos ahora a la Holanda del siglo XVII, una nueva república protestante, donde los artistas pintaban según las especificaciones en un mercado de arte comercial completamente nuevo.

En la Galería 637 encontrarás “El Fumador”, que Frans Hals pintado hacia 1625 sobre una pieza de madera octogonal. Un joven con una mata de pelo castaño está de juerga en un pub. Tiene una pequeña sonrisa sucia. Una mujer con un cuello de encaje le ha rodeado el cuello con los brazos y tanto la pincelada como la moral se están perdiendo mucho. (¿Marcaste a la camarera y al recipiente para beber a la derecha?)

Sin embargo, no hay nada de descuidado en esta tosquedad. Eche un vistazo a la mezcla de trazos blancos y tostados que constituyen el jubón recortado del fumador. ¿Y qué hay en la tubería? Tabaco, por supuesto. No es sólo un vicio, sino una moda: un nuevo lujo transportado a Haarlem por la flota de la Compañía Holandesa de las Indias Orientales.

Galería 642: Recuerdos venecianos

¿Quién califica como persona plena y quién sigue siendo sólo un tipo? Ese asunto adquirió nueva urgencia en el siglo XVIII, cuando filósofos como Rousseau, Wollstonecraft y Condorcet debatieron los derechos de las mujeres y cuando las academias reales de arte dieron paso, a veces a regañadientes, a las pintoras.

En 1730 o 1731, un par irlandés navegó a Venecia para festejar en el Carnaval. Mientras estaba de vacaciones, una estrella internacional le hizo el retrato: Rosalba Carriera, artista y literata veneciana con estudio propio. Trabajó en papel (más fácil de llevar a casa para los coleccionistas) en el nuevo medio de moda del pastel. Mire sus mejillas empolvadas, su papada ensombrecida: aquí como leche helada, allí como ceniza de madera. Esa modulación, sólo posible mediante una mayor y menor presión de la barra de pastel, es lo que convirtió a Carriera en uno de los mejores pintores del Rococó.

Entonces llega el siglo XVIII: ilustración, exploración, extracción, esclavitud. A medida que entramos en la era moderna, las galerías del Met realmente comienzan a globalizarse. Las pinturas ahora contienen fauna asiática y flora americana; Los europeos posan con telas chinas e indias. La galería 628, dedicada a la Gran Bretaña georgiana, tiene a los sospechosos aristocráticos habituales, pálidos, ricos y con títulos, pero también a una mujer de Bengala, llamada Joanna de Silva, que posó para su propio retrato en 1792.

En Calcuta trabajó como ayah (o niñera) para la familia de un oficial británico, y cuando él y su esposa murieron, De Silva y su hijo huérfano viajaron juntos a Gran Bretaña. Allí, probablemente para conmemorar el cruce, el retratista británico William Wood la representó mirando a media distancia. Joyas en el pelo, en la oreja derecha, más aún alrededor del cuello y en el dedo anular. Viste telas indias color crema que los británicos consideraban entonces el colmo de la moda extranjera.

Un cuadro de un sirviente como individuo independiente es bastante raro. Lo extraordinario de Juana de Silva, que ingresó al Met en 2020, es su mirada penetrante hacia arriba y hacia la derecha. Examinemos esa mirada a lo lejos y veamos cómo el continente que se eligió a sí mismo como la cumbre de los logros humanos (y redujo a otras personas al nivel de las cosas) también nos proporcionó a todos, en todas partes, universalmente, las herramientas de su propia crítica. En esos ojos, el pintor ha reivindicado, tal vez a su pesar, una herencia europea del siglo XVIII que nunca podremos abandonar: el principio de que todos los humanos son creados iguales. De Silva tiene el mismo dominio de sí misma que el monje de Petrus Christus o el fumador de Hals siglos antes, pero sus ojos buscan más allá; sus ojos miran hacia el este.