Reseña de ‘Here We Are’: El último Sondheim, genial e increíblemente elegante
Stephen Sondheim tenía un genio para el género. Algunas de sus mejores obras fueron adaptadas de fuentes muy específicas como penny dreadfuls (“Sweeney Todd”), novelas epistolares (“Passion”) y comedias romanas (“A Funny Thing Happened on the Way to the Forum”). Apoyándose fuertemente en sus estilos específicos, explotó su potencial expresivo en canciones que difícilmente podían mejorarse y que nunca sonaron igual.
Aún así, para él y para otros, el surrealismo era a menudo un género demasiado lejano. El teatro musical ya es bastante surrealista. (¿Por qué ese hombre taciturno de repente empezó a cantar? ¿Quiénes son esas mujeres que bailan en lencería?) Construir un espectáculo a partir de una fuente deliberadamente irracional corre el riesgo de duplicar la rareza, lo que lleva a «¿Eh?» resultados como “Cats” de Andrew Lloyd Webber y “Anyone Can Whistle” del propio Sondheim.
Entonces, mientras esperábamos lo que parecieron décadas por lo que resultaría ser su último musical, sin saber nunca si lo había abandonado o no, los hilos de información que él y sus colaboradores dejaron caer sugirieron que el nuevo espectáculo… finalmente titulado «Aquí estamos» – podría ser mal concebido.
Las dos películas de Luis Buñuel que Sondheim y el dramaturgo David Ives tomaron como inspiración no sólo son sumamente surrealistas, sino que también lo son de maneras diferentes y aparentemente incompatibles. “El discreto encanto de la burguesía” (1972) es una alegre aventura sobre un grupo de amigos que, en busca de comida, misteriosamente no pueden encontrarla. “El ángel exterminador” (1962) es un asunto mucho más oscuro, sobre una cena de la que nadie puede salir. Ambas películas ridiculizan a los aristócratas desnutridos pero sobresaciados: personas para quienes nada es suficiente. Pero uno es como la acidez sedosa de una tarta de merengue de limón y el otro como huesos de pollo atrapados en la garganta.
La mejor buena noticia de “Here We Are”, el musical combinado de Buñuel que se estrenó el domingo en el Shed, casi dos años después de la muerte de Sondheim en noviembre de 2021, es que justifica la idea de fusionar estas dos obras y logra hacer una Expresivo musical surrealista. En la impresionantemente elegante y bien formada producción de Joe Mantello, con un elenco de tesoros de Broadway que no pueden superar, nunca es menos que un placer ver cómo pule y abraza con confianza su ilógica. Musicalmente, es totalmente, aunque un poco escaso, Sondheim, y totalmente digno de su catálogo. El hecho de que también haga un poco de frío y que solo se mueva ocasionalmente en la forma en que idealmente lo permitiría la canción, puede explicar la razón. tuvo muchos problemas para escribirlo.
El primer acto, de aproximadamente una hora de duración y quizás con siete números (aunque es difícil contarlos porque entran y salen del diálogo) nos presenta las versiones estadounidenses de Ives de los golosos franceses de Buñuel en “El discreto encanto de la burguesía”. Leo Brink (Bobby Cannavale) es un magnate grosero y Marianne Brink (Rachel Bay Jones) una decoradora de sociedad; su sábado por la mañana se ve interrumpido cuando cuatro miembros de su círculo llegan al elegante apartamento de la pareja, insistiendo en que los han invitado a almorzar.
Los intrusos incluyen a Paul Zimmer (Jeremy Shamos), un cirujano plástico que celebra su operación de nariz número 1.000, y su esposa, Claudia Bursik-Zimmer (Amber Gray), una agente, rebuzna, de «una importante entidad de entretenimiento». Junto a ellos están Raffael Santello Di Santicci (Steven Pasquale), el embajador horndog de un país mediterráneo llamado Moranda, y Fritz (Micaela Diamond), la amarga hermana menor de Marianne, una revolucionaria con gustos por champán.
Ives describe rápida y divertidamente a los seis con rasgos específicos y casi universalmente desagradables. Raffael, que destroza su inglés, y Claudia, que se apresura a hacer valer su rango, tienen una cita semanal a espaldas de Paul; Paul y Leo dirigen un cartel de la droga con la ayuda del embajador de Raffael. Fritz es una pastilla. Mientras viajan en busca de comida, acompañados por un vampiro de Sondheim que comienza maravillosamente alegre y termina como agua arremolinándose por un desagüe, cada uno revela rasgos cada vez peores, excepto Marianne, que es demasiado tonta para ser venal. Cuando le pide a su marido que “le compre este día perfecto”, parece menos codicioso que sentimental.
Los cambios de escenario a medida que visitan varios establecimientos con camareros extravagantes (Tracie Bennett y Denis O’Hare) con pelucas cada vez más ridículas (de Robert Pickens y Katie Gell) se logran con rápida gracia en la brillante caja blanca de un set de David Zinn, como Las carpas de neón descienden de las moscas y luego descienden más para formar mesas o banquetas. (El vestuario de Zinn también es telegráfico, incluido el chándal de terciopelo de Leo y el Fendis morado altísimo de Claudia). El formato de tema y variaciones es encantador, lo que permite a Sondheim, el gran rompecabezas, tratar las canciones casi como anagramas. Finalmente, junto con otros tres personajes que recogen: un coronel (Francois Battiste), un soldado (Jin Ha) y un obispo (David Hyde Pierce), la tripulación aterriza, ahora hambrienta, en la embajada de Raffael, donde cenan como Act. Termino.
Aquí el musical gira en torno a “El ángel exterminador”, sólo que en lugar de un conjunto de personajes completamente diferente (los de Buñuel eran presuntamente españoles y vivieron bajo Franco), Ives, en una elegante pieza de carpintería, continúa con Leo, Marianne y los demás. Son ellos quienes encuentran imposible irse después de cenar, y terminan, en el Acto II, durmiendo, discutiendo y eventualmente peleando por restos de comida mientras su atrapamiento metafísico persiste durante días. Ives también complica el júbilo antifascista y antiburgués de Buñuel, en el que los plutócratas son expuestos como cerdos, al implicar también a la revolución; Fritz resulta ser una amenaza para su propia forma de vida menor de lo que pretendía.
Por inteligente que sea, la cuerda tiene problemas, como ocurre con muchos programas nuevos que encuentran su forma final. Hacer que los personajes de “Here We Are” sean dignos de castigo en el segundo acto ha significado hacerlos demasiado obviamente horribles en el primero. Su brutalidad también nos libera del problema de Buñuel: sus películas tratan sobre personas cuya sofisticación e ingresos disponibles deberíamos reconocer, pero “Here We Are”, que a veces parece una caja de mariposas, trata sobre personas a las que no nos atrevemos a reconocer.
Si Sondheim hubiera escrito más canciones para el Acto II (hay solo unas pocas, agrupadas al principio), ese problema podría haberse solucionado. En cualquier caso, Mantello e Ives decidieron replantear la escasez como una oportunidad. Antes de su muerte, Sondheim aparentemente estuvo de acuerdo con ellos en que la falta de canciones en realidad tenía sentido estructural: una vez atrapados en una pesadilla repetida de privaciones, estos personajes no tendrían motivos para cantar. Pero entonces ¿por qué conservar los que ya había escrito?
Quizás porque las canciones que escribió son todo lo que uno podría desear que fueran. Hay menos rimas engañosas de lo habitual, pero aun así hay chistes que hacen reír a carcajadas. Una canción de amor rapsódica para el soldado y un himno a la superficialidad para Marianne – “Quiero que las cosas brillen./Que sean lo que parecen/Y no lo que son” – tienen la familiar profundidad y brillo sondheimianos para cristalizar ideas complejas.
Aunque echamos mucho de menos eso en el Acto II, y especialmente en el intento de triple lutz de un final (que probablemente sean dos lutzes de más), Ives, el autor de «Venus in Fur» e innumerables comedias inteligentes, ha hecho mucho para compensar. Algunas de sus escenas de diálogo, incluido un fascinante coloquio entre Marianne y el obispo, tienen la forma, el ritmo y el ingenio doloroso de una canción de Sondheim. (Jones y Pierce se destacan en el excelente elenco.) También llenan con cariño los espacios en blanco el supervisor musical, Alexander Gemignani, y el veterano orquestador de Sondheim, Jonathan Tunick, quienes han arreglado temas de la primera parte del espectáculo como interludios instrumentales para continuar. la holgura en la parte posterior.
Puedes entender su cuidado. A la espera del descubrimiento de alguna juventud inédita o de otra versión más del penúltimo “Road Show”, este será el último musical de Sondheim que tendremos. Sólo eso hace que la producción sea histórica, una presión que felizmente no se refleja en el producto, que es veloz y llamativo. La iluminación de Natasha Katz, el sonido de Tom Gibbons y la divertida coreografía de Sam Pinkleton hacen gran parte del trabajo pesado de la agenda de Mantello.
Más importante aún, “Here We Are” es tan experimental como Sondheim quiso que fuera todo a lo largo de su carrera. Nadar a través de sus corrientes de ecos de trabajos anteriores (algunos “Anyone Can Whistle”, algunos “Passion”, algunos “Merrily We Roll Along”) es comprender la monstruosa insaciabilidad de los personajes. Nosotros también siempre querremos más, incluso cuando hayamos tenido lo que, según cualquier criterio razonable, ya debería ser más que suficiente.
Aquí estamos
Hasta el 21 de enero en The Shed, Manhattan; theshed.org. Duración: 2 horas y 20 minutos.
