En octubre pasado, cuando se anunció que Sarah Burton abandonaba Alexander McQueen, la casa que había cuidado hasta alcanzar un nuevo esplendor tras el suicidio de su fundador, y que sería sustituida por un diseñador irlandés llamado Seán McGirr, se desató una especie de tsunami de Angustia en el mundo de la moda.
Mira, resultó que con el nombramiento de McGirr, todos los diseñadores del establo de su propietario, Kering, el segundo conglomerado de moda más grande del mundo, serían hombres blancos. Y la situación empeoró cuando, en rápida sucesión, tres hombres blancos más, todos italianos, fueron nombrados para los puestos más altos en Moschino, Tod’s y Rochas.
¿Dónde estaban las mujeres (por no hablar de los diseñadores de color) en una industria que atiende en gran medida a las mujeres? ¿No se suponía que íbamos a ir más allá de esto? Indique los golpes de pecho y los lamentos de TikTok.
Y luego, indique el correctivo, que es cortesía del Instituto de Vestuario del Museo Metropolitano de Arte.
“Mujeres vistiendo a mujeres” es una celebración del trabajo de la propia colección del museo de más de 70 diseñadoras diferentes desde principios del siglo XX hasta el presente. Es la primera vez que el museo realiza una encuesta dedicada exclusivamente al trabajo de las mujeres, y será la primera vez que se vea al menos la mitad de las 83 piezas expuestas.
Eso hace que el programa sea un síntoma del problema (es un poco impactante pensar que en los 85 años transcurridos desde que el Costume Institute se unió al Met nadie ha hecho esto antes, a pesar de las complicaciones de un programa basado en el género) y, tal vez, una señal para una posible solución.
De hecho, rara vez una exposición ha estado en el momento más perfecto. Incluso si Mellissa Huber, curadora asociada del Costume Institute, que creó la muestra junto con Karen Van Godtsenhoven, la co-curadora invitada, no lo pretendía así.
Destinada a coincidir con el centenario del sufragio femenino en los Estados Unidos en 2020, “Mujeres” fue concebida en 2019 y pospuesta cuando los cierres de Covid cambiaron el calendario de exposiciones. Ese retraso ha reformulado el resultado de una manera que lo hace sentir, irónicamente, aún más relevante políticamente, no sólo por los acontecimientos en el mundo de la moda, sino porque los acontecimientos globales han renovado el debate sobre los cuerpos de las mujeres y quién los controla.
El milagro es que Huber y Van Godtsenhoven han evitado las polémicas y han dejado simplemente que la obra, en toda su asombrosa variedad y amplitud de imaginación, hable por sí misma. Y lo hace.
En susurros y canciones, faya de seda y satén, algodón y lana, reimagina el registro de la moda, llenando los vacíos y guardarropas de la historia con nombres y piezas olvidadas hace mucho tiempo y por error; elevándolos, finalmente, a los pedestales a los que pertenecen.
Literalmente: el espectáculo comienza con dos columnas altas a medida que desciendes las escaleras hasta el Centro de disfraces Anna Wintour.
Encima de cada columna hay piezas de las dos únicas diseñadoras a las que se les concedieron exposiciones individuales en el Met: un vestido de noche de diosa blanco drapeado de Madame Grès, cuya retrospectiva finalmente tuvo lugar en 1994, a pesar de que la ex curadora del Costume Institute Diana Vreeland comenzó defendiéndolo en 1980, según Huber, y un suéter y una falda negros apolillados del vanguardista Rei Kawakubocuya retrospectiva tuvo lugar en 2017.
Mientras tanto, lo que saluda a los asistentes cuando llegan al Centro de Vestuario son tres suntuosos vestidos negros de la troika de mujeres sabias de la moda, Coco Chanel (un vestido de tul tipo “fuegos artificiales”, reluciente con destellos de lentejuelas), Madeleine Vionnet (una columna de terciopelo marrón oscuro con un “cinta” de cuentas doradas en la cintura) y Elsa Schiaparelli (una chaqueta y falda de noche bordadas de terciopelo azul medianoche). Ubicado en un triángulo reflejado que refracta el trabajo en un bucle sin fin, este abridor uno-dos deja claro el punto: dondequiera que mires hay obras de mujeres en la cima de su juego.
Que el mensaje se transmita de manera tan sutil es lo que le da poder a la exhibición. Esta es una historia condenatoria, contada con delicadeza. Las revelaciones comienzan en la Galería Carl e Iris Barrel Apfel, que se centra en esa época, en las décadas de 1920 y 1930, cuando las diseñadoras en realidad superaban en número a los hombres, y ofrece presentaciones de muchos nombres que se han perdido en la historia.
Premet, por ejemplo. ¿Qué es eso? Una casa francesa dirigida por una serie de diseñadoras, todas las cuales introdujeron versiones del pequeño vestido negro a partir de 1923, unos años antes de que a Coco Chanel se le atribuyera su invención. A la vista se encuentra uno de sus muchos LBD, un elegante número escalonado de 1929 de la diseñadora Charlotte Larrazet.
Y que hay con ¿Marie-Louise Boulanger (de la casa de Louiseboulanger)? Ella fue la responsable del extraordinario vestido de satén beige con cintura caída que se mostró, y la falda era una mezcla muy contemporánea de paja y plumas de avestruz teñidas en degradado. O Carpentier locola casa cofundada por Madeleine Maltezos y Suzie Carpentier, las mujeres detrás de un vestido drapeado de organdí de finales de los años 40 que ondula en tonos azules como la superficie del mar Mediterráneo?
Es imposible ver su trabajo y no pensar que deberían ser parte del canon general del diseñador, y que si lo fueran, tal vez nuestra comprensión de los fundamentos del mundo de la moda moderna podría ser diferente.
Un vídeo de costureras inclinadas sobre sus máquinas, recordatorio de todas las mujeres anónimas que encontraron su sustento en la moda, proporciona el puente entre estos creadores fundacionales y el mundo del prêt-à-porter: una visión de 360 grados alojada en Lizzie y Jonathan. Tisch Gallery y anclado por un terciopelo amatista María Monaci Gallenga vestido de 1925 cubierto de flores de loto doradas. Anteriormente atribuido a Mariano Fortuny (ups) y en frágil estado, ha sido reparado y está haciendo su debut en exposición.
A partir de ahí, el espectáculo te lleva en un recorrido rápido a través del caleidoscopio de la imaginación femenina contenida en la ropa, saltando a través de la apropiación por parte de Ann Demeulemeester del traje de funeraria y el vestido con hombros descubiertos de Donna Karan, el fruncido en paracaídas de Norma Kamali y la gasa drapeada de la Indígena. diseñador Jamie Okuma. Las galerías están tan repletas de identidades e inventos que puede ser difícil hacer un seguimiento de quién hizo qué, aunque está bien simplemente abandonarse al disfrute.
Hay un placer inesperado al descubrir la red de conexiones que el programa descubre, tanto en la historia de quién hizo la ropa como de quién la usó. En una pared, por ejemplo, un árbol genealógico animado traza la forma en que las casas de Jeanne Hallée y Paquin formaron a dos diseñadoras: Madame Madeleine y Madeleine Lepeyre, quienes a su vez dieron origen a la casa Madeleine & Madeleine, que ellas dirigieron. Es un poco delicioso saber que Louise Nevelson, conocida por sus esculturas monocromáticas, donó el conjunto a cuadros de mohair de Bonnie Cashin y que Lauren Bacall había sido la orgullosa propietaria de la falda rosa empolvado y el suéter a rayas de Sonia Rykiel en el desfile (ambos diseños nunca antes vistos). expuesto).
Se muestran seis yuxtaposiciones “intergeneracionales” espalda con espalda en el centro de la galería principal, con un espejo bidireccional entre cada par, de modo que el reflejo de uno ensombrece al otro, como un fantasma, flotando justo detrás: el abrigo de plumas aceitoso de Prada contra el de Schiaparelli. vestido de faya metalizado esmeralda; El vestido plisado Delphos de Fortuny (el que llevaba la mujer y musa de Mariano, Adele Henriette Elisabeth Nigrín Fortuny fue instrumental en la creación) contra la malla fruncida de Ester Manas (ambas hechas por un equipo de esposa y esposo, ambas estructuradas para amoldarse al cuerpo, y no al revés).
La totalidad crea una experiencia inesperadamente emocional al tiempo que se niega a atender a generalidades reduccionistas sobre el diseño «femenino» (o quién puede usar la ropa; uno de los maniquíes es masculino, un recordatorio de que el espectáculo puede tener un género, pero la realidad no lo es necesariamente). .
De hecho, señaló Van Godtsenhoven, un tema subyacente aquí es que el axioma de que las diseñadoras crean ropa para la vida mientras que los diseñadores crean ropa para la fantasía es tanto un engaño como la fetichización del diseñador masculino como un monstruo sagrado o un artista imposible.
Después de todo, por cada vestido canguro de Isabel Toledo que cae elegantemente sobre el cuerpo materno, hay un cuento de hadas con lentejuelas plateadas de un vestido con cuello halter, como el de Sarah Burton para Alexander McQueen, que es tan físicamente implacable que requirió un maniquí encargado especialmente; Por cada traje de pantalón minimalista de Jil Sander, hay una explosión de rarezas con bultos y protuberancias. Georgina Godley; por cada body futurista impreso en 3D por Iris Van Herpenexiste un vestido adaptable como el que Jasmin Soe diseñó para mujeres con acondroplasia, causante de baja estatura, para ajustarse a su propio gusto.
En otras palabras, la amplitud de la exposición constituye un argumento potente de que la idea de que no hay suficientes mujeres en la moda es errónea; que en realidad no se trata de una falta de representación femenina (o de autoría), sino de una falla institucional en todas las partes de la industria (marcas, escuelas, museos, medios) para reconocerlo, recordarlo y celebrarlo.
“Cuando seguimos repitiendo los mismos nombres (Dior, Balenciaga) creamos un canon y una historia, y la gente empieza a decaer”, dijo Van Godtsenhoven, el cocurador. Y luego, “de repente, lo único que hablamos es de ‘maestros’ y ‘padres'», en lugar de «madres».
Pero en realidad, el mundo de la moda está repleto de mujeres extraordinarias, si la gente tan sólo mirara. Eso depende de todos nosotros.
Como escribió una vez Claire McCardell: “La mayoría de mis diseños parecen sorprendentemente evidentes. Me pregunto por qué no pensé en ellos antes”. Lo mismo podría decirse de este espectáculo, como señaló Huber. Cuando se le preguntó por qué tomó tanto tiempo (y por qué se necesitaron dos mujeres para lograrlo finalmente), se evadió diplomáticamente.
Cualquiera sea la razón, deberíamos estar agradecidos de que finalmente haya llegado el momento. Después de todo, todavía quedan grandes puestos de trabajo por cubrir en las principales marcas de moda europeas, incluida Givenchy. Esperamos que sus directores ejecutivos se tomen el tiempo de visitar el Met. Es posible que se vayan con una sensación diferente de lo posible.
mujeres vistiendo mujeres
Hasta el 3 de marzo, Museo Metropolitano de Arte, 1000 Fifth Ave., (212) 535-7710; metmuseum.org.
