Michael Singer, escultor que utilizó la naturaleza como medio, muere a los 78 años

Michael Singer, un escultor cuyo trabajo, que comenzó en castores y bosques de pinos y avanzó a una escala cada vez mayor, acabó desdibujando las líneas que separaban el arte, el paisajismo, la arquitectura y la planificación urbana, murió el 14 de marzo en su casa de Delray Beach, Florida. Tenía 78 años.

Jason Bregman, socio del estudio de Singer, confirmó la muerte pero no proporcionó la causa.

El Sr. Singer a menudo se caracterizaba como un arquitecto paisajista, y además era un arquitecto consumado, con encargos públicos en sitios tan variados como un centro de reciclaje en Phoenix, el Aeropuerto Internacional de Denver y un supermercado Whole Foods en Jacksonville, Florida.

Pero, de hecho, era un artista, alguien que veía su medio y su ambición, en términos expansivos pero humildes, con un trabajo que intentaba remediar la alteración del mundo natural por parte de la humanidad.

En algunos casos, como un jardín que diseñó para una oficina de la Administración de Alimentos y Medicamentos en las afueras de Washington, fusionó estructuras bajas de concreto con elementos acuáticos y pastos nativos.

En otros, como el centro de reciclaje de Phoenix que diseñó con la artista Linnea Glatt, creó una estructura que invitaba al público a observar cómo se manejaban sus desechos, convirtiendo lo que había sido un proceso fuera de la vista y fuera de la mente en una fuente de educación e incluso de orgullo cívico.

Aunque se formó formalmente como pintor, a principios de la década de 1970 Singer se había dedicado a la escultura, construyendo piezas abstractas, vagamente arquitectónicas, de acero y hormigón en su loft del Lower East Side.

Poco después de que una exposición de 1971 en el Museo Guggenheim lo anunciara como una estrella en ascenso en la escena artística de Nueva York, dejó la ciudad para mudarse a una granja de 100 acres en el sur de Vermont. Inspirándose en los castores que observó trabajando en los humedales de su propiedad, comenzó a crear obras con material orgánico como bambú, juncos y troncos, colocándolos dentro y alrededor de los mismos sitios pantanosos.

En una obra, “Situation Balance Series/Beaver Bog”, terminada en 1973, apiló sin apretar media docena de árboles de cicuta caídos en una zona de pantano. Para un observador casual, podría parecer que los baúles cayeron en su lugar de forma natural, y sólo después de notar la cuerda de yute que el Sr. Singer usó para mantenerlos en su lugar su intervención se volvió obvia.

A menudo se le vinculó con el movimiento Land Art de la década de 1960, quizás el más famoso representado por “Spiral Jetty” de Robert Smithson, terminado en 1970, una curvatura de piedra y barro de 1.500 pies que se adentra en el Gran Lago Salado en Utah.

Pero mientras artistas como Smithson utilizaron excavadoras y excavadoras para crear alteraciones radicalmente monumentales en el paisaje, Singer dejó que la naturaleza tomara la iniciativa. Como reflejo del movimiento ambientalista emergente de la década de 1970, modificó la tierra de maneras mínimas pero sorprendentes.

«Quería crear obras donde la actividad humana no fuera destructiva y, al mismo tiempo, interactuara con el entorno natural», dijo a la revista Sculpture en 1998.

Apreciar una obra de Singer requirió un profundo compromiso con su sitio (su topología, su flora, su clima) para comprender por qué tomó ciertas decisiones de diseño. Prefería utilizar materiales que encontraba cerca, y que con el tiempo se descompondrían, complicando aún más la relación entre arte y naturaleza.

Si bien gran parte de su trabajo en la década de 1970 era lo suficientemente pequeño y portátil como para caber en una galería de arte, a principios de la década de 1980 estaba creando encargos grandes y permanentes para sitios específicos.

En 1980, la ciudad de Grand Rapids, Michigan, lo contrató para crear una obra de arte para un nuevo muro contra inundaciones a lo largo de un tramo de tierra y matorrales de 600 pies. Cuando inspeccionó el sitio, se dio cuenta de que el proyecto implicaría arrancar un grupo de álamos maduros. Para salvarlos, propuso un nuevo diseño para el muro, más bajo y en capas, que incorporaba los árboles y los pastos silvestres locales.

“Era conocido por tomar cosas que uno consideraría muy vulgares y convertirlas en algo hermoso”, dijo en una entrevista telefónica Margie Ruddick, una arquitecta paisajista que trabajó con él en la remodelación de Queens Plaza en Nueva York.

Su acercamiento al centro de reciclaje de Phoenix siguió un curso similar. Originalmente se planeó que el edificio fuera utilitario e imponente, con el trabajo del Sr. Singer y la Sra. Glatt agregado como una mera filigrana estética.

En cambio, pidieron dos meses para rediseñar el centro por completo. La pareja regresó con un edificio bajo y lleno de luz que coloca la participación pública en su núcleo, con una serie de galerías de observación y aulas, todo lo cual cuesta $4.5 millones menos que el plan original.

«El efecto no es bonito», escribió el crítico de arquitectura del New York Times, Herbert Muschamp, en un artículo de 1993 elogiando el proyecto. “En cambio, los artistas se han sentido asombrados. Al igual que la gran Galerie des Machines en la Exposición de París de 1889, el centro extrae de la industria su aura de terror sagrado, fusionándola con la tradición paisajística estadounidense de lo despiadado y lo sublime”.

Michael Lewis Singer nació el 12 de noviembre de 1945 en Manhattan y creció en los suburbios de Long Island. Su padre, Bernard, era propietario y operaba varios cementerios en Nueva York. Su madre, Mildred (Gimbel) Singer, era ama de casa.

Le sobrevive su hermana, Louise Stolitzky.

Después de graduarse en Cornell en 1967 con una licenciatura en bellas artes, se sumergió en la escena artística de Manhattan, mezclándose con Richard Serra, Gordon Matta-Clark y otros artistas que trabajaban en la intersección de la escultura y la arquitectura.

A medida que se interesó más en el land art y su examen de la relación entre la humanidad y la naturaleza, se convenció de que la relación era destructiva y debía repensarse. De ahí su traslado a Vermont y su fascinación por los castores. (Continuó viviendo en Vermont pero mantuvo una casa de invierno en Delray Beach).

“Pasé 15 años en esos pantanos, tratando de descubrir la conexión humana con el medio ambiente natural”, dijo a The Times en 2004. “¿Cómo lo expresamos? ¿Cómo actuamos de una manera que no sea controladora y destructiva?

Siguió siendo su preocupación constante durante el resto de su carrera, incluso cuando avanzó hacia proyectos con presupuestos multimillonarios y plazos de cinco años. Creía que tales proyectos no podían dejarse en manos de arquitectos, sino que exigían la perspicacia de artistas como él.

«No es que tengamos las soluciones, a veces las tendremos, pero tenemos observaciones, preguntas e ideas», dijo a la revista Sculpture. “A un artista al que se le presenta un problema se le ocurrirán nuevas ideas y preguntas. Algunas de ellas serán ridículas y otras ofrecerán posibilidades impensadas”.