¿Cómo afecta un trabajo diario al trabajo de un artista? Esta exposición tiene una idea

La artista nacida en Hawái Toshiko Takaezu era conocida por sus obras de cerámica que redefinieron el género con sus “formas cerradas”, como ella las llamaba: vasijas selladas cuyos espacios interiores ocultos estaban destinados a activar la imaginación. El próximo mes, la vida y obra de Takaezu serán el foco de una importante retrospectiva en el Museo Noguchi en Long Island City, Queens. “Toshiko Takaezu: Worlds Within” presentará más de 150 piezas de colecciones públicas y privadas de todo el país, co-curadas por el historiador del arte Glenn Adamson, la curadora del museo Kate Wiener y la compositora y artista sonora Leilehua Lanzilotti. (Una monografía de 368 páginas, publicada en colaboración con Yale University Press, acompañará a la exposición). Los visitantes podrán ver una colección que abarca siete décadas de la carrera de Takaezu, desde sus primeros trabajos estudiantiles en Hawaii en la década de 1940 hasta su inmersión, formas cerámicas monumentales que produjo entre finales de los años 1990 y principios de los años 2000. «Takaezu también era tejedora y pintora, y a menudo construía instalaciones multimedia en las que su cerámica, textiles y pinturas operaban juntos», dice Wiener. Para desarrollar esta idea, los curadores organizaron la muestra cronológicamente, incorporando cada uno de estos medios en varias secciones, inspiradas en las propias instalaciones de Takaezu. El sonido también influirá. En sus piezas de cerámica, Takaezu solía colocar un fragmento seco de arcilla dentro de sus vasijas cerradas, creando un sonajero musical. Para esta exhibición, Lanzilotti (finalista del Premio Pulitzer de música 2022) ha desarrollado una serie de videos que ofrecen información sobre los elementos sonoros del trabajo de Takaezu, y los visitantes pueden escuchar esos cascabeles de primera mano a través de una pantalla interactiva. De 20 de marzo al 28 de julio; noguchi.org.

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Se abre una tienda agrícola propiedad del chef en Hudson, Nueva York

En 2015, la chef y autora de libros de cocina Emma Hearst y su esposo, el chef y granjero John Barker, se mudaron de Manhattan al norte del estado de Nueva York, con la intención de cultivar productos con calidad de restaurante que les resultaba difícil conseguir localmente. Fundaron Forts Ferry Farm, una extensión de 100 acres en Latham, Nueva York, junto con el hermano de Barker, el artista y fotógrafo Jamie Barker. La granja ahora cultiva más de 250 variedades de verduras, frutas, hierbas y flores, que se utilizan en los alimentos preparados, la miel y los condimentos que se venden en Troy Waterfront Farmers Market y en línea. La siguiente fase en el desarrollo de la granja es una tienda física, Farm Shoppe, a 50 minutos en auto hacia el sur en la bulliciosa Hudson. El espacio caprichoso, que abrió sus puertas a principios de febrero, tiene paredes verdes de espuma de mar y treillage de madera hecho a mano. Sus estantes están repletos de productos y flores de temporada, las populares salsas de pimiento picante de la granja y una colección cuidadosamente editada de artículos de mesa antiguos que incluyen terrinas, fuentes para servir y jarras de cerámica. A finales de este verano, podrá realizar compras al aire libre en el patio trasero de la tienda, que próximamente estará terminado. fortsferryfarm.com.

Desde las selvas de Brasil (Inhotim) hasta los ranchos de Montana (Tippet Rise Art Center) y propiedades históricas en Francia (Château La Coste), están apareciendo parques de arte en lugares inesperados en todo el mundo. En Jaipur, India, el Parque de Esculturas del Palacio Madhavendra, inaugurado en 2017, estrenó su cuarta exposición a finales de enero. Peter Nagy, un estadounidense que ha dirigido la galería contemporánea Nature Morte en Nueva Delhi durante más de dos décadas, fue el curador de la muestra, que reunió a una docena de artistas para exhibir sus obras en los apartamentos del palacio, que a su vez está ubicado en el siglo XVIII. Fuerte de Nahargarh del siglo XIX. En el patio al aire libre, la artista berlinesa Alicja Kwade ha instalado «Superposition», una disposición de esferas de piedra pulida, sillas de bronce y espejos. Nagy dice que Kwade estaba intrigado por la arquitectura del palacio, que se completó en 1892 como un retiro de placer para el maharajá Sawai Madho Singh II. Hay un complejo de apartamentos idénticos, cada uno de ellos destinado a una de sus múltiples esposas; deambular por ellos es como encontrarse con “un laberinto de doppelgängers arquitectónicos”, dice Nagy, destacando los temas de reflexión e ilusión tan visitados por Kwade. La Cuarta Edición del Parque de Esculturas estará abierta hasta el 1 de diciembre de instagram.com/thesculptureparkjaipur.

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Un nuevo y luminoso hotel que hace un guiño a la historia de Hyères, Francia

La ciudad costera de Hyères, en el sur de Francia, puede ser más conocida como una incubadora de talentos de la moda: durante los últimos 39 años, ha acogido el Festival Internacional de Moda, Fotografía y Accesorios de Moda. Pero los lugareños recuerdan su historia como un destino codiciado por los europeos en el Mediterráneo a finales del siglo XIX, un destino que decayó en la década de 1920 cuando la economía se tambaleó por la Primera Guerra Mundial y el interés se desplazó hacia destinos entonces emergentes como Niza. Cuando el restaurador y hotelero David Pirone abrió Le Marais Plage, un club de playa y restaurante italiano, en 2013 y el hotel La Reine Jane en 2017, fue para satisfacer la creciente demanda de los asistentes al festival y volver a poner su ciudad natal en el mapa de los viajeros. El próximo mes, planea abrir Lilou Hôtel en una de las últimas propiedades hoteleras originales de Hyères de 1870. Los interiores han sido reinventados por Kim Haddou y Florent Dufourcq, los ganadores del gran premio Van Cleef & Arpels en el Design Parade Toulon 2018. Los diseñadores evitaron los toques de terracota que son comunes en los interiores provenzales y optaron por materiales naturales de tonos suaves, como suelos de corcho y muebles de madera de raíz. Los enrejados se remontan a los jardines de invierno de principios del siglo XX, y el uso de puertas arqueadas y boiserie en ciertas habitaciones recuerdan la histórica villa árabe de la ciudad del siglo XIX. Incluso la obra de arte tiene un toque local, con piezas seleccionadas en colaboración con Jean-Pierre Blanc, fundador del festival de moda y director de la residencia modernista convertida en centro de arte Villa Noailles. Lilou Hôtel abre el 29 de marzo, habitaciones desde 130 dólares, lilouhotel.fr.

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Los trabajos de nueve a cinco artistas se destacan en una exposición de la Universidad de Stanford

¿Sabías que el escultor Larry Bell, famoso por sus poéticas cajas de vidrio, comenzó a trabajar con el material solo después de que se le cayó un trozo de vidrio mientras trabajaba en una tienda de marcos en Burbank, California? ¿O que Jeffrey Gibson, el artista que representó a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia en abril, comenzó como comercializador visual en la tienda Ikea en Elizabeth, Nueva Jersey? ¿Qué pasa con cómo el pionero minimalista Sol LeWitt trabajó como recepcionista en el Museo de Arte Moderno de Nueva York mientras Dan Flavin manejaba el ascensor? El impacto que las tradicionales jornadas de nueve a cinco tienen en la producción creativa de los artistas es el tema de una refrescante y reveladora exposición que se inaugurará en el Cantor Arts Center de la Universidad de Stanford el 6 de marzo. (La exposición se originó en el Museo Blanton de Austin, Texas, el año pasado; el cartel ha crecido hasta incluir figuras adicionales de California.) Dividida en siete secciones que representan industrias pobladas por artistas, como la moda y los cuidados, la muestra presenta una variedad de obras de arte, desde un dibujo mural de LeWitt hasta “People Like Us” de Gibson. ”(2018), una elaborada prenda colgada como en un escaparate. Para investigar la exposición, la curadora Veronica Roberts encuestó a casi 100 colegas para reconstruir una historia del arte y el trabajo que en general no se había escrito. «Hacemos que sea realmente difícil ser una persona creativa en este país», dice Roberts. “Ser artista es entonces no alguien sentado con una boina, fumando, teniendo una epifanía. La inspiración puede surgir de momentos realmente mundanos”. “Day Job” se podrá ver en el Cantor Art Center de la Universidad de Stanford hasta el 21 de julio. museo.stanford.edu.

Si recientemente inició sesión en TikTok o vio un desfile de modas, probablemente esté al tanto de la obsesión actual por los moños. Términos como “cottagecore” y “coqueta” (que se refieren a estilos de vestimenta que hacen un uso liberal de gorros, corsés y, sí, lazos) se han vuelto ineludibles en ciertos rincones de Internet, mientras que los lazos se han apoderado de las pantallas y las pasarelas por igual. (La exposición de ropa femenina de otoño de 2024 de Prada se inauguró recientemente con un vestido recto hasta la rodilla adornado con, según mis cálculos, al menos 27 lazos negros). “Untying the Bow”, una nueva exposición en el Museo FIT en Nueva York, tiene como objetivo rastrear la historia y descifrar el impacto del ineludible adorno. Comisariada por estudiantes graduados del programa de maestría en estudios de moda y textiles de la escuela, la muestra presenta 50 prendas y accesorios que abarcan todas las épocas. Los tirantes de brocado de seda de alrededor de 1750 ejemplifican el origen funcional del lazo como un nudo que se puede deshacer fácilmente para asegurar una prenda, mientras que un vestido rosa Pepto de Comme des Garçons de 2007 muestra su potencial decorativo con un par de lazos acolchados incrustados en su corpiño delantero. y cadera derecha. Los ejemplos en esta muestra se inclinan hacia la ropa de mujer (al igual que la colección del museo en general), aunque la ropa de hombre está representada con una variedad de pajaritas, un sombrero de paja de principios del siglo XX atado con una cinta y zapatos planos de ópera inglesa de la década de 1930. ¿Por qué los arcos son tan potentes ahora? Olivia K. Hall, una de las estudiantes que fue curadora de la muestra, dice: «Es un motivo asociado con la feminidad y la inocencia; parece un recordatorio de que en la edad adulta la moda puede seguir siendo lúdica». “Untying the Bow” estará disponible del 1 al 24 de marzo. fitnyc.edu/museum.

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