¿Se puede salvar a ‘Miss Saigon’? Dos programas británicos no están de acuerdo.
“Miss Saigon” está de vuelta y también, inevitablemente, el discurso que la rodea.
El melodrama musical de Claude-Michel Schönberg sobre un romance desafortunado entre una trabajadora sexual vietnamita y un soldado estadounidense durante la guerra de Vietnam ha polarizado la opinión desde que se representó por primera vez en 1989. En esa carrera original del West End, Jonathan Pryce se puso la cara amarilla para tocar un proxeneta de raza mixta, y los críticos del programa han seguido expresando su preocupación por su representación de las personas del este de Asia, en particular su sexualización de mal gusto de las mujeres vietnamitas.
Así que no todos estaban contentos cuando el Crucible Theatre en Sheffield, Inglaterra, anunció que presentaría una nueva producción de “Señorita Saigón» este verano. Una compañía de teatro británica de Asia oriental y sudoriental sacaron su propio show desde el teatro en protesta, diciendo que el musical vendía «tropos dañinos, misoginia y racismo.”
Sin embargo, el boicot puede haber sido injustificado, ya que esta nueva producción, dirigida por Robert Hastie y Anthony Lau bajo los auspicios del aclamado productor Cameron Mackintosh, y que se extenderá hasta el 19 de agosto, se propone abordar esas críticas de larga data, reinventando el musical en en línea con las sensibilidades liberales del siglo XXI.
El esquema de la historia, fuertemente inspirado en la ópera «Madama Butterfly» de Puccini de 1904, prácticamente no ha cambiado. Chris (un Christian Maynard convincentemente lúgubre) conoce a Kim (Jessica Lee) en un burdel y se enamoran, pero su relación termina abruptamente cuando los estadounidenses se retiran de Saigón. Tres años más tarde, Chris, ahora casado con una mujer estadounidense, se entera de que Kim tiene un hijo pequeño. Kim se quita trágicamente la vida para asegurarse de que su hijo sea criado por su padre en los Estados Unidos y, por lo tanto, tenga una vida mejor de la que ella puede brindarle.
Pero la apariencia de la obra ha cambiado. Para empezar, está el reparto: el papel hasta ahora masculino del Ingeniero, el proxeneta intrigante cuyas maquinaciones proporcionan gran parte de la fuerza motriz de la historia, es interpretado aquí con una vitalidad pantomímica adecuadamente descarada por Joanna Ampil, quien interpretó a Kim en dos carreras de la década de 1990 en el Teatro Royal Drury Lane de Londres; Chris y su esposa, Ellen (Shanay Holmes), son interpretados por actores negros, en lugar de blancos. Si bien esto evita claramente parte del equipaje asociado con Chris como un «salvador blanco», se siente un poco engañoso, ya que lo que realmente importa en la trama es su pasaporte estadounidense.
Más significativamente, el espléndido diseño del escenario de Ben Stones evita las imágenes visuales trilladas asociadas con este espectáculo. La acción se desarrolla alrededor de una imponente escalera industrial contra una gran pantalla de metal gris oscuro cortada con un patrón geométrico, un imponente telón de fondo que evoca un paisaje urbano decididamente poco sentimental, que está muy lejos de las visiones idílicas de las cabañas rurales de bambú que se ven a menudo en Producciones de “Miss Saigón”.
Lee sobresale como Kim, representándola con un estoicismo digno que imbuye sus tristes baladas con patetismo, a pesar de que la música es objetivamente cursi. Ni ella ni su conjunto de apoyo en el burdel están abiertamente sexualizados: son solo personas que hacen lo que deben para sobrevivir.
Los directores Hastie y Lau han defendido el caso de «remodelando y transformando» narrativas problemáticas en lugar de eliminarlas por completo, y con algunos ajustes al guión, realizados con la bendición de Schönberg, han logrado crear una versión humana y de buen gusto de este musical perennemente polémico.
Sin embargo, es difícil deshacerse de la sospecha de que el kitsch orientalista era parte integral del atractivo comercial de los programas. Elimine el escalofrío desconcertante de lo exótico y tendrá, esencialmente, un triángulo amoroso con un ángulo de papeleo de inmigración. Sigue siendo una historia desgarradora, pero ¿tiene tanto de espectáculo?
Cuarenta millas más adelante, el público en Manchester ha estado disfrutando “Sin título F*ck M*ss S**gon Play”, que se presenta en el Royal Exchange Theatre hasta el 22 de julio como parte del Festival Internacional de Manchester antes de trasladarse al Young Vic de Londres en septiembre, y es tan irreverente como sugiere su título.
Escrita por el dramaturgo con sede en Nueva York Kimber Lee y dirigida por Roy Alexander Weise, presenta una sucesión de envíos mordaces del arco narrativo «Madama Butterfly» y «Miss Saigon», en el que varias iteraciones del personaje de Kim (Mei Mac) soportar repetidamente el mismo maltrato a manos de un aspirante a salvador blanco (Tom Weston-Jones) mientras una narradora (Rochelle Rose) proporciona un comentario irónico a sabiendas.
La serie de bocetos comienza en 1906 (el año en que se estrenó «Madama Butterfly» en Nueva York) y termina a mediados de los años 70 en Vietnam (el escenario de «Miss Saigon»), con hitos de la cultura pop en el camino, incluidos Rodgers y Hammerstein. musical “South Pacific” y la serie de televisión “M*A*S*H”.
Es un pastiche obsceno y juguetón, con elementos orientalistas realzados para lograr un efecto cómico, en la ridícula pasividad de muñeca de Kim y la genérica «vivienda tipo choza» en la que se desarrolla el romance: «Todo el lugar parece Pier 1 y Cost Plus». tuvo un trío con Ikea y esta choza es su hijo bastardo mestizo”, bromea el narrador.
El amante estadounidense de Kim le habla en un lenguaje sin sentido compuesto por una variedad de palabras asiáticas (bulgogi, sashimi, onigiri) que el narrador traduce al inglés, una clara referencia al uso de galimatías en lugar de vietnamita en las producciones de «Miss Saigon» de la década de 1990
Las cosas toman un giro autoficcional cuando el escenario cambia a una cena en la Nueva York actual. Kim es ahora un dramaturgo en apuros abrumado por un sentido de responsabilidad para hacer retroceder décadas de caricaturas racialmente ofensivas en el escenario y la pantalla. En este punto, la diversión se desvanece un poco, dando paso a un examen de conciencia ensayístico.
La madre de Kim, Rosie (Lourdes Faberes), pronuncia un monólogo apasionado en nombre de los inmigrantes de primera generación, explicando que las representaciones insensibles eran algo que tenían que tomar con calma. Le gustaría que su hija fuera menos celosa y simplemente viviera su vida. Un amigo le implora a Kim que haga las paces con el pasado y le recuerda que la sociedad estadounidense ha recorrido un largo camino: “Podríamos detenernos aquí. Podríamos quedarnos aquí. No es tan malo, ¿verdad?
Es un espectáculo vibrante, divertido e inteligente, pero esa pérdida de ímpetu en las últimas etapas expone las limitaciones del teatro activista en el que el principal impulso creativo es correctivo: una vez que has hecho tu punto, no queda adónde ir.
En este sentido, “Untitled F*ck M*ss S**gon Play” comparte similitudes con el nuevo “Miss Saigon”, un espectáculo cuyo mérito moral y estético se deriva principalmente de lo que omite: la caricatura ofensiva, el fetichismo burdo: en lugar de lo que contiene.
Estas producciones funcionan como valiosos limpiadores culturales del paladar. Pero el impulso para desinfectar el contenido problemático es, en última instancia, una cuestión de autopreservación comercial: las marcas gigantes como «Miss Saigon» son demasiado lucrativas para dejarlas morir.
Habiendo sobrevivido a su relevancia, el musical está condenado a una vida futura de remakes bien intencionados pero ligeramente anodinos a medida que se desvanece lenta e inexorablemente en el olvido.
