Reseña: 'Las Horas' regresa al Met Opera con sus estrellas
Kevin pone “Las horas”, que se estrenó en el Metropolitan Opera la temporada pasada y regresó para su primera reposición el domingo, es incluso más bonito de lo que recuerdo.
En esta partitura, a menudo exquisita, las cuerdas vibran y los instrumentos de viento aletean. Cuando Puts busca instrumentos de percusión, elige los más dulces (glockenspiel, crotales, campanillas, vibráfono) y los combina lujosamente. Los instrumentos de viento de madera en la parte superior del Acto II son prácticamente wagnerianos en su extravagante majestuosidad. Los tiernos acordes del piano suenan solitariamente. Las oleadas musicales están llenas de nostalgia. Las deliciosas líneas vocales se deleitan con el amor y la comprensión de la voz humana.
Pero es fácil pasar por alto las múltiples bellezas de la partitura cuando el escenario está lleno de distracciones. Bailarines extraños y supernumerarios inundan la producción de Phelim McDermott en el Met. En un momento, la coreógrafa Annie-B Parson los hace girar sosteniendo almohadas mientras un personaje considera suicidarse en una habitación de hotel. Para aumentar el ajetreo, Puts presenta en gran medida al coro como un narrador colectivo y omnisciente y las voces internas de los personajes. Como dispositivo, no funciona; Si bien la historia entrelaza íntimamente las vidas emocionales de tres mujeres, el coro infringe su conexión con la audiencia.
Es casi como si Puts y McDermott tuvieran miedo de mirar fijamente a sus heroínas o no confiaran en la capacidad de atención del público. Esto es especialmente desconcertante considerando que tienen tres protagonistas del orden de Renée Fleming, Kelli O'Hara y Joyce DiDonato, quienes repitieron sus papeles el domingo. Cuando el escenario estaba libre de obstáculos, su potencia estelar era deslumbrante.
Como Virginia Woolf, DiDonato era una presencia magistral y atormentada. Su voz, oscura, efusiva y cortante, comunicaba la profundidad intelectual de Woolf y sus demonios personales; estaba la perspicacia y la oclusión de una novelista en el apogeo de sus poderes que oculta sus ideas suicidas a los demás. Como Laura, O'Hara cantó con una voz de fino cristal, y aunque su timbre era un poco más turbio de lo que solía ser, encarnaba los frágiles nervios y el ansioso autodesprecio de Laura. La forma general de la voz de Fleming permaneció increíblemente juvenil en su cremosa redondez. Su Clarissa era patricia pero superficial, aunque parte de la culpa recae en el libreto, en el que cada dos palabras suyas son «flores» o «fiesta».
“The Hours” está basada en la novela homónima de Michael Cunningham, ganadora del premio Pulitzer, y en la adaptación cinematográfica de Stephen Daldry de 2002. Pero la ópera puede ser demasiado leal a sus fuentes (y demasiado impresionada por el genio de Woolf). Aquí se da excesiva importancia a los momentos pasajeros del libro. La escena en la floristería, con su escritura de coloratura vulgar y alusiones complacientes a “Die Zauberflöte” de Mozart, el papel del Hombre bajo el arco, el coro omnisciente, todo podría eliminarse fácilmente. Mientras tanto, la puesta en escena podría perder también a los bailarines.
Cuando Puts y Greg Pierce, el libretista, se alejan del literalismo y abrazan las ventajas específicas de la ópera como medio, la obra se dispara. El tejido de las agonías privadas de Laura y Virginia a dúo a través del tiempo y el espacio, una simultaneidad que se logra más fácilmente aquí que en los libros o las películas, crea una empatía que el público siente incluso si los dos no pueden. Aquí, como en otros lugares el domingo, la orquesta tocó con maravillosa fluidez, forma y carácter bajo la batuta de Kensho Watanabe.
Es obvio que Puts adaptó los papeles principales a cada una de las tres mujeres. En los momentos más sencillos del diálogo cantado, sus voces conservaban una encantadora suculencia. Aún así, en el extremo superior de sus rangos, la voz de O'Hara se tensaba y la de DiDonato se estremecía incómodamente, y era difícil escuchar a Fleming a menos que se redujera la orquestación.
A pesar de la atención prodigada a las mujeres, es realmente el poeta Richard, moribundo de SIDA y harto de su vida, quien da a la pieza su tragedia. El bajo barítono Kyle Ketelsen cantó con un tono oscuramente atractivo y actuó con irónica y desesperada desesperación.
En los momentos finales de la ópera, las mujeres se reúnen después de la muerte de Richard. “Aquí está el mundo y tú vives en él”, cantan con compasiva sencillez. Hay bondad en la moraleja, en la idea de que somos suficientes. Si tan solo esta hermosa pieza tomara en serio sus propios consejos.
Las horas
Hasta el 31 de mayo en el Metropolitan Opera de Manhattan; metopera.org.
