La Bienal de Whitney y la Gala del Fondo de Producción de Arte con Drew Darren Aronofsky, Huma Abedin y David Byrne.
Mientras el sol se ponía en el distrito frigorífico de Manhattan el lunes por la noche, el Museo Whitney de Arte Americano se llenó de multitudes para la inauguración de la 81ª Bienal Whitney. La exposición de este año, “Incluso mejor que lo real”, aborda cuestiones sobre qué es “real” a través de obras sobre el surgimiento de la inteligencia artificial, la fluidez del género y la fragilidad de la naturaleza.
Críticos y galeristas pasaron por alto al cineasta Darren Aronofsky mientras estudiaba una serie de figuras escultóricas de Rose B. Simpson.
«Leí el texto del museo en la pared que lo explica y me gusta el tema de este año», dijo el Sr. Aronofsky. «Todo el mundo está pensando en las mismas cosas en el mundo en este momento, así que me gusta la idea de considerar nuestra realidad actual a través del arte».
En la planta baja, un DJ tocaba éxitos de baile latino ante una multitud de figuras del mundo del arte que bebían cócteles Paloma e intercambiaban chismes de la industria. Las escaleras del museo estaban llenas de visitantes que recorrían los pisos del edificio para llegar a obras de Mary Lovelace O'Neal, Pippa Garner, Holland Andrews, Eddie Rodolfo Aparicio y JJJJerome Elliscuyo arte (y nombre) investiga la condición de tartamudez.
En el quinto piso, David Byrne, que vestía pantalones blancos, zapatillas blancas y una chaqueta blanca, contemplaba una escultura de Jes Fan. RoseLee Goldberg, curador e historiador del arte, admiró una instalación de Dala Nasser. Las cocuradoras de la muestra, Meg Onli y Chrissie Iles, saludaron calurosamente a los artistas.
Los grupos hicieron fila para ver la instalación de Lotus L. Kang “In Cascades”, que consiste en hojas colgantes de película sensible a la luz que se transformarán a lo largo de la bienal.
“Estas piezas cinematográficas evolucionan continuamente”, afirmó la Sra. Kang. “Son porosos, asumen sus propias vidas, y esa precariedad es también la realidad de la condición humana. Nada está en un estado fijo, ni siquiera el cuerpo y la identidad”.
En otra parte, la diseñadora de moda Cynthia Rowley se abrió paso entre una multitud de artistas con gafas y cortes de pelo tipo cuenco. En una mesa de cóctel, el crítico Dean Kissick intercambió notas sobre la bienal con Mary Boone.
«Voy a escribir sobre este programa, así que todavía estoy ordenando mis pensamientos, pero creo que es abismal», dijo Kissick. “Según esta bienal, el arte está retrocediendo en el tiempo hacia un lugar más conservador. Lo que quiero decir con esto es que hay una tendencia en el arte actual a combinar la política progresista con formas, medios y estéticas conservadoras, y eso es lo que veo aquí”.
En el sexto piso, Dustin Yellin consideró una obra de Mary Kelly, “Lacunae”, que utiliza calendarios para explorar el envejecimiento y la mortalidad.
«Para mí, el tema bienal de este año trata sobre la interferencia psíquica y el frenesí que divide al país en este momento», dijo Yellin. «El arte aquí refleja cómo las personas pueden volver a unirse».
Afuera, en el balcón, se encontraba una instalación grande y poco sutil de Kiyan Williams que unía algunos de los hilos temáticos del espectáculo. Titulada “Ruinas del Imperio II o La Tierra se traga la Casa del Maestro”, la escultura terrestre representa una fachada de columnas de la Casa Blanca hundiéndose en el suelo.
Mientras el museo se despejaba para pasar la noche, algunos invitados se quedaron en el balcón mirando los restos del naufragio y la bandera estadounidense plantada en su parte superior ondeando al viento.
Dándose un chapuzón en el mundo del arte
Mientras los neoyorquinos aún se estaban formando su opinión sobre la Bienal del Whitney, se puso en marcha otro evento mundial del arte. El jueves por la noche, los restaurantes Grill y Pool en Midtown fueron anfitriones de la gala anual del Art Production Fund, que encarga proyectos de arte público como la solitaria instalación de Prada Marfa en Texas y Seven Magic Mountains en Nevada.
Las cortinas de cadenas de metal del Grill brillaron cuando comenzó la hora del cóctel alrededor de las 6 pm y la sala se llenó de celebridades como Olivia Wilde y Drew Barrymore. La gala de este año tuvo como tema los cruceros y los camareros llevaban gorras de capitán mientras hacían circular bandejas de alcachofas crujientes y hamburguesas. Algunos invitados se sentaron en tumbonas bebiendo margaritas azules con sombrillas de cóctel.
Debbie Harry y Cynthia Rowley se encontraron con viejos amigos entre la multitud. El fotógrafo de moda Mario Sorrenti admiró una instalación de Laila Gohar, la chef y artista conocida por sus caprichosos trabajos basados en alimentos, elaborados con cientos de conchas de ostras. Y Huma Abedin estuvo junto al bar con el hotelero Sean MacPherson.
“Creo que siempre estamos buscando la belleza donde podemos encontrarla en la ciudad de Nueva York”, dijo Abedin, reflexionando sobre el valor del arte público. “Caminar por Park Avenue o por Madison Square Park y ver todo lo que pueda estar en exhibición me ofrece un momento de escape. Como neoyorquinos necesitamos cosas que nos hagan ver más allá de nuestros apartamentos y el arte público democratiza la belleza”.
El señor MacPherson compartió su sentimiento.
“Una ciudad que no tiene arte público es un lugar disminuido”, afirmó. «El arte es lo que nos separa de los bárbaros».
En la refriega también se mezclaron algunos de los jóvenes actores del mundo del arte de la ciudad, como la artista Chloe Wise, el marchante de arte Max Levai, el escritor de Vanity Fair Nate Freeman y el galerista de 56 Henry, Ellie Llanos.
“Debido a que el arte público es 'público', para algunas personas conlleva una especie de noción de que no puede ser también un desafío”, dijo la Sra. Wise. «Hay un aspecto snob en el hecho de que la gente lo pase por alto, y por eso también el Fondo de Producción de Arte es tan importante».
La Sra. Rines había traído a una de sus artistas, Cynthia Talmadge, como cita. «Es cierto, a veces se considera que el arte público carece de estilo, pero este evento siempre le da estilo y estilo». Sra. Rines dicho. “Siempre me han encantado los diseños inspirados en Picasso. escultura que se encuentra en esa plaza del SoHo”.
Los invitados pronto se sentaron a cenar en el majestuoso espacio de la piscina. Mordisquearon salmón ahumado servido con latkes y alcaparras mientras bailarines sin camisa, interpretando una coreografía del artista Shikeith, chapoteando en la piscina iluminada de la sala. Titulado «Horas de visita», rindió homenaje a la cultura de cruising gay que una vez prosperó en los muelles del río Hudson.
Casey Fremont y Kathleen Lynch, directores de la organización sin fines de lucro, brindaron comentarios de apertura para comenzar la recaudación de fondos, que recaudó más de $850,000. Sara Friedlander, vicepresidenta de Christie's, dirigió una subasta en vivo en la que una pintura de temática náutica de Joel Mesler, “Sin título (Crucero)”, se vendió por 120.000 dólares.
Después de que los invitados terminaron sus ravioles de langosta de Carbone y llegaron a las mesas pedidos aparentemente interminables de martinis, el restaurante se vació lentamente para pasar la noche. Sentados solos juntos estaban el artista. Anna Weyant y la presentadora de podcasts Eileen Kelly.
La Sra. Kelly reflexionó sobre el poder del arte público.
«Siempre me ha encantado la escultura de Alicia en el País de las Maravillas en Central Park», dijo la Sra. Kelly. “Muchos niños crecen viendo eso y nunca lo olvidarán, incluso si no se dan cuenta en ese momento. Es una escultura maravillosa que retribuye a la gente”.
«Creo que el arte público es sexy», añadió. «Nuestro mundo puede ser muy feo, así que ¿por qué no hacerlo más hermoso si se puede?»
