Ava DuVernay y otros directores repensan las películas sobre el Holocausto

En la comedia británica “Extras”, Kate Winslet, que aparece como una versión de sí misma, interpreta a una monja en una película sobre el Holocausto. Cuando la elogiaron por usar su plataforma para llamar la atención sobre las atrocidades, ella responde cruelmente, “No lo hago por eso. Quiero decir, no creo que realmente necesitemos otra película sobre el Holocausto, ¿verdad? Ella explica que aceptó el papel porque si haces una película sobre el Holocausto, tienes «un Oscar garantizado».

La perspectiva ficticia de Winslet sobre las películas sobre el Holocausto, aunque obviamente es una broma en el contexto de ese episodio de 2005, se ha convertido en una especie de opinión predominante. Desde que “La lista de Schindler” (1993) de Steven Spielberg ganó el premio a la mejor película y otros seis premios de la Academia hace casi 30 años, las películas sobre el Holocausto, desde “La vida es bella” (1998) hasta “Jojo Rabbit” (2019) han sido vistas como cebo para los Oscar. Bien intencionados o no, se consideran el tipo de cine que deberías ver pero que no necesariamente quieres ver, destinado a tocar la fibra sensible y ganar premios a sus creadores.

De hecho, la propia Winslet demostró que esa teoría era correcta cuando ganó el Oscar a la mejor actriz en 2009 por “The Reader”, en la que interpretó a una mujer que sirvió como guardia de las SS en Auschwitz. En la ceremonia, el anfitrión, Hugh Jackman, construyó un momento musical en torno al hecho de que no había visto «The Reader», un chiste que provocó una carcajada cómplice del público: Las películas sobre el Holocausto son importantes, sí, pero se pueden omitir.

Pero tal vez la noción de película sobre el Holocausto esté cambiando. Este año en particular, tres películas buscan desafiar la idea de lo que puede y debe ser. Todos ellos ponen una mirada analítica en su tema, vinculando los horrores del pasado con el presente, haciendo de esa manera que el tema se sienta tan inquietantemente resonante como siempre.

En “La zona de interés” (que se estrena el viernes), el director británico Jonathan Glazer adapta muy libremente una novela de Martin Amis para ofrecer un retrato de la vida cotidiana de Rudolf Höss (Christian Friedel), el comandante de Auschwitz; su esposa, Hedwig (Sandra Hüller); y sus hijos. Casi sin trama, apenas entra en el campo y se centra en el mundo visualmente idílico que la pareja ha creado para su familia mientras Höss planea el exterminio de los judíos encarcelados en la casa de al lado. Después de que Hedwig acompaña a su marido al trabajo (un hombre con el uniforme a rayas de los prisioneros de Auschwitz sostiene las riendas del caballo de Rudolf), le dice a su bebé: «¿Te gustaría oler una rosa?» Sin duda es más agradable que oler cuerpos quemados.

Justo cuando piensas que “La zona de interés” podría ser demasiado insoportable con su impenitente enfoque en el mal, Glazer cambia a la perspectiva de una niña polaca y su acto de bondad. Filma a la niña, basada en una persona real, en imágenes térmicas, por lo que queda casi oscurecida mientras deja fruta para los prisioneros, y su gesto está marcado con las notas disonantes de la partitura de Mica Levi, que suena como una voz monótona. Ese poquito de esperanza parece distante y claramente poco inspirador.

Glazer opera desde la noción de que nosotros, el público, podemos imaginar lo que sucede dentro de los muros de Auschwitz. Podemos imaginarnos las cabezas rapadas y las cámaras de gas; No necesitamos ver la brutalidad de los Höss para saber lo que han infligido. Es casi una película demoledoramente no violenta y, sin embargo, la implicación de esa violencia es más potente que cualquier cosa que él pudiera poner en escena. Tienes que considerar lo que significa seguir con tu día cuando hay humo en el aire debido a los cuerpos que se incineran.

“The Zone of Interest” se siente en muchos sentidos como una pieza complementaria de “Occupied City”, el documental de Steve McQueen y la escritora Bianca Stigter, que se estrenará el 25 de diciembre. (Mirando las cuatro horas y 22 minutos de duración de la película Sería unas vacaciones intensas, por decir lo menos.)

Al igual que “La zona de interés”, “Ciudad ocupada” elimina conscientemente la emoción de su narrativa, que se basa en el libro de Stigter “Atlas de una ciudad ocupada: Ámsterdam 1940-1945”. Durante su duración prolongada, y a veces agotadora, viajamos por las calles de Ámsterdam mientras una narradora (Melanie Hyams) explica lo que sucedió durante la ocupación nazi en cada dirección que visitamos.

Independientemente, las historias son fascinantes (mini sagas de perseverancia, resistencia y crueldad que podrían servir como base para sus propias películas), pero Hyams las presenta desapasionadamente. Aunque intenté tomar notas, al final de la película tuve problemas para recordar cada detalle que deseaba. Todo se volvió abrumador y comenzó a mezclarse mientras intentaba asimilar la historia y las nuevas imágenes que McQueen ofrece de una variedad de eventos: desde el encierro de Covid hasta una protesta pro-palestina y las feas tradiciones navideñas de la época navideña en esa ciudad. .

Las películas de Glazer y McQueen son adormecedoras de diferentes maneras: en «La zona de interés», uno se acostumbra a las formas casuales en que sus protagonistas prosperan junto a un sufrimiento indecible, mientras que «Ciudad ocupada» pone a prueba la paciencia con su extensión y extensión. El documental muestra cómo la memoria se pierde tan fácilmente en un lugar y cómo demoler un edificio también puede destruir un legado de trauma o heroísmo. La voz en off finalmente hace una pausa para el final, que sigue los preparativos del bar mitzvah de un niño, la única vez en “Ciudad Ocupada” que se describe explícitamente la vida judía actual, un recordatorio de que los judíos de Ámsterdam no han sido completamente borrados a pesar de la intervención de los nazis. intenciones.

“Zone” también eventualmente viaja en el tiempo hasta la actualidad. En sus momentos finales, Glazer captura imágenes del museo y monumento conmemorativo que ahora se encuentra en Auschwitz. Pero no se centra en los turistas reverentes. En cambio, vemos a empleados barriendo los pisos de las cámaras de gas y puliendo el vidrio que contiene las montañas de zapatos de las víctimas. Es extremadamente conmovedor pero también rutinario. Un tipo de vida cotidiana se ha fusionado con otro, este dedicado a preservar la memoria de las personas en las que Rudolf y Hedwig Höss fueron cómplices del asesinato.

Esta conversación entre entonces y ahora también se puede encontrar en Lo último de Ava DuVernay, “Origen” (en cines), un drama basado en el best seller de no ficción de Isabel Wilkerson “Caste: The Origins of Our Discontents”. DuVernay sigue a Wilkerson, interpretada por Aunjanue Ellis-Taylor, mientras investiga lo que será su libro. Compara el trato dado a los judíos en la Alemania nazi con el de los negros en Estados Unidos y los dalits en la India, y concluye que, en última instancia, todo es resultado de sistemas de castas, en los que grupos odiosos aprenden a someterse unos a otros.

Pero DuVernay no evita el emocionalismo absoluto como lo hacen Glazer, McQueen y Stigter. En la secuencia culminante, que dramatiza el proceso de escritura de Wilkerson, el director crea un montaje para describir la deshumanización que incluye imágenes de cuerpos negros brutalizados en un barco de esclavos; Judíos siendo conducidos a campos de concentración; y dalits limpiando aguas residuales mientras son relegados a trabajar como recolectores de basura manuales, con sus cuerpos cubiertos de excrementos. Las escenas ciertamente son más intencionadamente lacrimógenas que cualquier otra cosa en “La zona de interés” o “Ciudad ocupada”.

Y, sin embargo, todos comparten la negativa a permitir que el Holocausto viva únicamente en el pasado. Esto, por supuesto, también se aplica a “La lista de Schindler”, en la que los judíos supervivientes que fueron salvados por Oskar Schindler y sus familiares colocan piedras sobre su tumba mientras la imagen en blanco y negro se vuelve en color. DuVernay, sin embargo, busca vincular su legado al de otros ejemplos de sufrimiento de una manera casi académica, citando sus fuentes como lo hizo Wilkerson. Las otras películas encuentran poder en su eliminación incluso cuando establecen cómo el Holocausto repercute entre los vivos.

“La Zona de Interés” es la más radical. Te pide que pases tiempo con los perpetradores del terrorismo, que veas sus cualidades humanas y, sin embargo, no sientas simpatía por ellos. Hemos visto antes películas sobre nazis ganando un corazón y aprendiendo a ver la humanidad en una persona judía: “Jojo Rabbit” de Taika Waititi es un ejemplo reciente y evidente, sobre un pequeño niño nazi que se enamora de la niña judía que se esconde en su casa. Esto no es eso. Aún así, “Zone” me afectó más profundamente que cualquier obra de arte sobre el Holocausto en la memoria reciente. Se me había metido bajo la piel.

Te obliga a considerar lo que sucede cuando permites que estas historias se conviertan en algo común, se conviertan en entretenimiento comercial rutinario, el tipo de actores oportunistas que firman para ganar premios Oscar. La muerte se convierte en un ruido de fondo, como ocurre con los Höss.