Mientras Heartbeat Opera alcanza un hito, también lo hace su líder musical
Durante la última década, Heartbeat Opera ha tratado los clásicos como borradores: las partituras de “Carmen” y “Madama Butterfly”, “Fidelio” y “Der Freischütz” han sido puntos de partida para algo nuevo, urgente e inmediato.
En Nueva York, una ciudad con cada vez menos espacios para la ópera, Heartbeat se ubica armoniosamente entre el Prototype Festival, que presenta nuevo teatro musical a escala de cámara, y la gran tradición de la Metropolitan Opera. Heartbeat se basa en el canon pero lo reinventa con un espíritu de vanguardia y una mirada hacia los problemas de nuestro tiempo: la violencia armada, Black Lives Matter, el movimiento #MeToo.
Realizadas en escenarios íntimos, las producciones resultantes provocan fuertes reacciones, cualesquiera que sean. No me han gustado todos los programas de Heartbeat, pero nunca me he encogido de hombros y nunca me he arrepentido de haber ido.
Ahora, en su décimo año, la compañía está agregando algo verdaderamente nuevo a la mezcla: un estreno mundial, «El extincionista» que se inauguró el miércoles en el Baruch Performing Arts Center como parte de la temporada de repertorio 2024 de Heartbeat, junto con Tchaikovsky “Eugene Onegin”.
Es apropiado que “The Extinctionist”, una ópera con buena estructura pero con una presentación defectuosa, esté compuesta por Dan Schlosberg. Ha sido el alma musical de Heartbeat desde su fundación, adaptando obras de Puccini, Donizetti y más con una visión tan creativa como la del director de cada producción.
Esta temporada ha estado particularmente ocupada para Schlosberg, quien creó la versión de “Onegin” de Heartbeat además de su trabajo en “The Extinctionist”. (También actúa en el cuarteto de instrumentistas del estreno, dirigiéndolos desde el piano). Pero todo esto es normal para él y es esencial para su visión de la ópera.
«La ópera debería seguir el ejemplo del teatro, en el sentido de que es maleable», dijo Schlosberg, de 36 años, en una entrevista reciente entre ensayos. «La partitura, para nosotros, es una caja de arena». Lo ha sido desde el comienzo de Heartbeat, añadió. «Estoy muy contento de que todavía estemos aquí», dijo. «No damos eso por sentado».
Heartbeat fue fundada por los directores de escena Louisa Proske y Ethan Heard, con Schlosberg y Jacob Ashworth, un animado violinista y director de orquesta, como directores musicales. Cuando se desarrollan nuevas producciones, los libretos y las partituras se adaptan conjuntamente; “Lucia di Lammermoor” de la compañía, por ejemplo, estaba ambientada en un manicomio y surgió de la mente de un paciente cuya psicología se reflejaba en el voluble arreglo de Schlosberg para cinco instrumentistas.
Schlosberg no pretende reproducir óperas a menor escala. Trabaja a partir de partituras completas y de piano-voz para tener una idea de la arquitectura de una pieza, pero deja espacio para expresar nuevos acordes y texturas. A veces actúa como traductor; otras veces, como intérprete. “¿Por qué reducir para lograr una versión de algo que estaba destinado a tanta gente?” él dijo. “¿Por qué no reinventarnos?”
Es un enfoque ágil y de mente abierta que representa a Heartbeat en su conjunto y su historia. Proske y Heard, que solían dirigir cada uno una producción del festival, una dirigida por Ashworth y la otra por Schlosberg, han dejado la compañía y permanecen en su junta directiva. Ahora está dirigido por Ashworth; Schlosberg es el único director musical.
Han entrado en escena nuevos directores, incluidos aquellos ajenos al mundo de la ópera. “Onegin”, que se estrenó el martes, fue puesta en escena por Dustin Wills, principalmente director de teatro, en su debut en la compañía.
La producción excesivamente pensada de Wills le da un giro extraño a la obra, una idea que ha sido adoptada por directores de ópera más experimentados como Krzysztof Warlikowski, pero en el proceso describe algo más interesante: la teatralidad de las emociones que los jóvenes representan sin saber realmente qué son. significar.
Onegin (un apasionado Edwin Joseph) y Lensky (un Roy Hage vocalmente delgado) son aquí amantes en secreto mientras cortejan dramáticamente a Tatyana (Emily Margevich, carismática y autoritaria) y su mejor amiga, Olga (Sishel Claverie, enérgica y seductora). Su lenguaje romántico es exagerado y sobreexpresado, su artificio amplificado por la dirección y el diseño escénico de Wills; la acción se desarrolla como un ensayo de “Onegin” en un taller de teatro.
Se ve a los miembros de la tripulación construyendo decorados antes de ponerlos a disposición; En un impresionante golpe de teatro, la pared del dormitorio de Tatyana se transforma en un escenario y una mesa de banquete para una fiesta lujosa. El encuentro culminante entre Onegin y Tatyana, años después de que él la rechazara, se desarrolla en un teatro pop-up.
Se trata de un concepto persuasivo, que se adapta fácilmente a la partitura y capta su temeraria juventud y su triste madurez. Pero Wills va más allá: Onegin, en su heterosexualidad performativa, mata en duelo a Lensky, su mejor amigo y amante. Sin embargo, esa tragedia se vuelve tensa cuando Onegin ruega por la mano de Tatyana. Insiste en una vida convencional de la que podría escapar fácilmente.
La adaptación de Schlosberg, dirigida por Ashworth, se apoya en esta teatralidad autoconsciente y límite brechtiana con una banda cuyo sonido recuerda a “The Threepenny Opera”, si su banjo fuera reemplazado por una balalaika. En el segundo acto, Schlosberg transforma un alegre vals en algo de pesadilla y agonizantemente amorfo, una expresión de tormento interior que también recorre su “Extincionista”.
Adaptada por Amanda Quaid de su obra del mismo nombre, esta ópera representa una mente que se desmorona ante las crecientes catástrofes de la crisis climática; en ese sentido, es lo contrario de los dramas radicales sobre sistemas apocalípticos y de otra ópera reciente, la caleidoscópica “The Shell Trial” de Ellen Reid y Roxie Perkins.
Aquí, una mujer (Katherine Henly, incansable en un papel que exige las mismas exigencias en su voz y sus habilidades de actuación) es llevada de escena en escena, como un Wozzeck moderno. Sus relaciones se desmoronan debido a su insistencia en tomar el control donde pueda, al no traer un bebé a un mundo condenado y acelerar su destrucción. Esto es para consternación de su compañero (Philip Stoddard, no del todo cómodo en un modo operístico) y su mejor amiga (una simpática y cambiante Claire Leyden), y para la frustración de su médico (un cálido pero firme Eliam Ramos). .
La producción de Shadi Ghaheri, con diseño escénico de Kate Noll y vestuario de Haydee Zelideth y Asa Benally, sugiere un futuro cercano, lo suficientemente cercano como para que la mujer todavía use Facebook, pero con el minimalismo chic, mayoritariamente blanco, de ciencia ficción. Este ambiente limpio, en un gesto de mano dura, está salpicado de parches de árboles muertos de un paisaje azotado por la sequía y, a menudo, cubierto con proyecciones de textos francamente emocionales y videos de desastres latentes. El tono y el estilo a veces parecen confusos; una escena en el consultorio del médico se representa con detalles literalmente clínicos, mientras que otra presenta un títere infantil.
El libreto de Quaid y el tratamiento que le da Schlosberg son más seguros de sí mismos. La escritura instrumental de Schlosberg no necesariamente impulsa el drama, como suelen hacer las orquestas de ópera, sino que más bien juega un papel en él, reflejando el elenco de cuatro con un cuarteto. La línea vocal de la mujer es doblada en un momento por un violín con patetismo, y prácticamente es reemplazada en otro por un solo de guitarra eléctrica.
El conjunto también traiciona las emociones de la mujer y anticipa los giros cada vez más bruscos de su estado mental, incluso con un ritmo tenso y palpitante como el de un corazón. Schlosberg se acerca al texto con paciencia y repite palabras y frases, y convierte el “ja” de la risa en un grito musical.
El miércoles, frente al teclado, Schlosberg parecía tan ocupado como siempre, gesticulando ritmos, tocando el piano, a veces metiendo la mano en el instrumento, respirando texturas en un micrófono y operando una tabla de resonancia. Después de 10 años de esto, y mientras Heartbeat mira hacia un festival no menos ambicioso en 2025 con “Salomé” de Strauss y “Manon” de Massenet, uno tiene la sensación de que no lo habría hecho de otra manera.
