Eileen Agar: sus pinturas que parecen joyas ampliaron el surrealismo
La historia del arte femenino todavía tiene sus secretos. Algunas revelaciones recientes incluyen a la visionaria pintora abstracta Hilma af Klint de Suecia, la genial quilter estadounidense Rosie Lee Tompkins y Mary Delany, una erudita británica del siglo XVIII que creó algunos de los primeros collages del arte occidental.
La última sorpresa, al menos para los estadounidenses, es la polifacética artista británica Eileen Agar (1899-1991), una productiva pintora, collagista, escultora, fotógrafa y recolectora de playas (para reunir materiales para ensamblajes), cuyo trabajo se puede ver en su primer gran trabajo en solitario. espectáculo en los Estados Unidos. Titulado “Eileen Agar: El florecimiento de un ala: obras, 1936 -1989”, este nocaut se encuentra en la Galería Andrew Kreps (hasta el sábado). Su título, tomado de uno de los lienzos aquí expuestos, señala la devoción de toda la vida de Agar por la naturaleza y los significados ambiguos.
Agar puede ser mejor conocida por sus collages y su fusión de imaginación surrealista y estructura y geometría cubistas. Pero esta muestra se centra en las pinturas, que tienen un aire contemporáneo y son bastante interesantes. Por un lado, se parecen bastante a un collage (también a un mosaico), y generalmente se centran en formas únicas construidas a partir de formas y motivos más pequeños. Y muestran la brillantez de Agar como colorista (lo cual era inusual para su generación de artistas británicos) y tal vez en deuda con Matisse. La mayoría de las pinturas aquí involucran varios tonos de azul, como si estuvieran embrujadas por “La ventana azul” de Matisse (1913) en el Museo de Arte Moderno.
Algunas pinturas son casi nada más que azules, como un pequeño lienzo de 1970 titulado “Chess Head”. Su cabeza cilíndrica almenada evoca al rey, la reina y el caballo del juego y también se asemeja a una tarta de cumpleaños o a un juguete infantil. Varios otros tienen fondos incandescentes de color azul intenso, proyectando sus escenas en un eterno crepúsculo de verano.
Este es el caso de “Flowering of a Wing” (1966), donde la acción parece involucrar una bata victoriana con varoniles diseños rojos, rematada por un gran cuello festoneado que progresa del amarillo al rojo y al azul. La progresión sugiere iluminación escénica justo más allá del borde inferior de la pintura, una iluminación que da vida a la imagen.
Las pinturas también destacan la familiaridad de Agar con los motivos decorativos, que también pueden haber ampliado su paleta. La mayoría de las pinturas aquí involucran patrones o motivos florales aplanados que sugieren textiles o vasijas de cerámica, como si Agar fuera un visitante habitual (que no lo era) de Charleston, la granja de Sussex del siglo XVII que el grupo de Bloomsbury comenzó a convertir en una incómoda Gesamtkunstwerk. en 1916.
Dos montones de motivos decorativos que parecen figuras parecen conversar en “A un ruiseñor” (1979) en un balcón fragmentado de hierro forjado con rizos de cuernos de carnero que ocasionalmente sugieren rostros. “Urn Burial” (1989) se centra en un jarrón alto y elaboradamente floreado dentro de un ataúd; junto a él se encuentra otra nave ornamentada, pero más humanoide.
Agar nació en Argentina en 1899, hija mediana de padres adinerados: un industrial escocés que fabricaba molinos de viento y sistemas de riego y una heredera estadounidense de galletas. Rápidamente demostró ser rebelde, propensa a tener rabietas y estar intensamente interesada en la naturaleza y el dibujo. Cuando sólo tenía 6 o 7 años, sus padres la enviaron a un internado en Gran Bretaña.
A su regreso a Gran Bretaña, los padres de Agar hicieron todo lo posible para disuadirla de ser artista. Pero ella estaba decidida y se liberó de su control cuando tenía 21 años y estudió arte. En 1926 conoció a su compañero de vida, el escritor húngaro Joseph Bard, comenzando una existencia itinerante llena de nombres familiares. Algunos de ellos: Roland Penrose y Lee Miller, quienes le presentaron a Picasso y Man Ray. También disfrutó de amistades con Ben Nicholson, Barbara Hepworth, Henry Moore y Paul Nash. Con Nash, un artista de guerra, paisajista y ex surrealista digno de mayor atención, tuvo una aventura prolongada que, sin embargo, dejó intactas sus relaciones primarias.
Podría decirse que Agar era más conocedor de sí mismo y más extrovertido que muchos artistas, y también escribía bien. En 1988 escribió sus memorias, “A Look at My Life” (en colaboración con el artista, crítico y curador Andrew Lambirth). Esta concisa memoria detalla su vida social, sexual y laboral, así como la escena artística británica antes y después de la Segunda Guerra Mundial. Una nueva edición, que Thames & Hudson publicará en mayo, debería ayudar a recuperar su vida y su obra en todos sus aspectos.
Bard murió en 1975; Agar vivió 16 años más y parece que nunca dejó de trabajar, ni de experimentar. Anteriormente, en 1940, incursionó en una serie de retratos realizados con pintura goteada (como Janet Sobel, por delante de Pollock). El ejemplo aquí es «Retrato», de alrededor de 1949, en el que una cabeza de muñeca con los ojos muy abiertos emerge de una superficie de pintura arrugada que no se parece a nada aquí.
La galería de la planta baja de Kreps contiene una especie de coda: cuatro paisajes de rocas monstruosas que Agar pintó en 1985 con un estilo inusual de realismo realzado y embellecido. Se basan visiblemente en fotografías (también aquí) que Agar tomó en Bretaña en 1936 y que demostraron su creencia de que la naturaleza era la verdadera fuente del surrealismo.
Eileen Agar: El florecimiento de un ala,Obras: 1936 – 1989
Hasta el 10 de febrero en Andrew Kreps Gallery, 22 Cortlandt Alley, Manhattan; 212-741-8849; andrewkreps.com.
