Reseña de la Bienal de Arquitectura de Chicago: el Museo Flotante apunta alto
Faheem Majeed, miembro del colectivo de arte the Museo Flotante y uno de los directores artísticos de la Bienal de Arquitectura de Chicago de este año, estaba parado en un trozo de tierra en el lado sur en una tarde soleada y fresca el mes pasado. Junto a él estaba la artista Erika Allen, fundadora y directora ejecutiva de Urban Growers Collective.
Detrás de ellos se alzaban montones de madera y los inicios (el contorno tentativo) de la estructura de un pabellón de dos pisos. Diseñado con estudiantes de arquitectura de la Universidad de Columbia, albergará una residencia para el colectivo, que ejecuta programas relacionados con la agricultura urbana y las artes y distribuye productos orgánicos desde sus ocho granjas alrededor de Chicago a chefs locales y grupos comunitarios.
“Como pueden ver, no está terminado”, dijo Majeed sobre el pabellón, que la Bienal está ayudando a financiar. “Pero no se trata de un cronograma bienal. Se trata de aprovechar realmente el momento para construir algo que sea útil”. Como resultado, el sitio permanecerá cerrado al público hasta, como dice vagamente el sitio web de la Bienal, “más adelante este otoño”.
Los organizadores de cualquier bienal deben lograr un equilibrio entre satisfacer las expectativas de los visitantes, los artistas participantes y los donantes, por un lado, y, por el otro, las necesidades de los barrios que albergan las instalaciones. La última edición de la Bienal de Arquitectura de Chicago, la quinta desde que comenzó en 2015, se inclina con fuerza, y a veces cae, en la segunda dirección.
Un objetivo central de esta Bienal de toda la ciudad, titulada “Esto es un ensayo” de Majeed y sus codirectores del Museo Flotante Avery R. Young, Andrew Schachman y Jeremiah Hulsebos-Spofford, es utilizar su presupuesto de 2,3 millones de dólares para desarrollar nuevos programas y asociaciones. en todo Chicago, o reforzar los existentes, para que puedan seguir viviendo después de que finalice la exposición en febrero.
Esa sensibilidad lo vincula con otras reuniones destacadas de arte y arquitectura recientes, incluida la Bienal de Arquitectura de Venecia, la trienal de arte de St. Louis (conocida como Counterpublic) y Exhibit Columbus, el festival de diseño de Indiana. Cada uno de ellos se propuso este año centrarse en el análisis histórico, la participación comunitaria o el traslado de galerías de paredes blancas a espacios vecinales.
Sin embargo, en la curaduría de Lesley Lokko de la reciente Bienal de Venecia, hubo una exquisita atención al detalle que acompañaba a una definición inclusiva y reparadora de la práctica arquitectónica. La trienal de St. Louis mapeó efectivamente su política curatorial en su geografía, alineando sus sitios a lo largo de la columna norte-sur de Jefferson Avenue para desafiar los tropos establecidos del Destino Manifiesto de la ciudad como poco más que una puerta de entrada al oeste de los Estados Unidos.
En Chicago, el Museo Flotante termina estirando la red de la arquitectura en tantas direcciones que comienza a deshilacharse, o al menos a parecer bastante delgada en el suelo. Los sitios del programa son remotos, con énfasis en arrojado.
El título que el Museo Flotante ha dado a la Bienal sugiere conexiones culturales tan amplias como la serie HBO de Nathan Fielder. «El ensayo» —en la que los actores se sumergen en la vida de otras personas— y una exposición sobre la obra de la arquitecta Zaha Hadid, actualmente en exhibición en el Centro de Arte Contemporáneo en Cincinnati, su primer edificio en Estados Unidos, bajo el título “Una nostalgia permanente por la partida: un ensayo sobre el legado con Zaha Hadid”.
Establecer conexiones entre el ensayo y un cierto tipo de práctica cultural es una forma eficaz de reconocer el interés por el proceso que comparten muchos arquitectos y artistas hoy en día: el ensayo como un lugar para experimentar, sin miedo a la vergüenza. (Recuerde el consejo de Samuel Beckett, ahora un elemento básico en los tableros de Pinterest y en las tazas de café: “Inténtelo de nuevo. Fracase de nuevo. Fracase mejor”). ¿Y qué es un modelo o dibujo arquitectónico sino un ensayo para un edificio planificado?
Los participantes de la bienal que ofrecieron trabajo con este espíritu (encontrar significado en lo transitorio, frágil o fugitivo) parecían estar mejor posicionados para honrar los objetivos del Museo Flotante así como los suyos propios. En el Centro Cultural de Chicago, una de las sedes de la exposición, la escenógrafa de Broadway Christine Jones y el estudio de arquitectura de Nueva York LOTE-EK han instalado lo que llaman “Teatro para uno”, un espacio de actuación del tamaño de un dormitorio hecho con cajas de embalaje de teatro reconfiguradas, para que un solo artista lea un solo poema a un solo miembro de la audiencia a la vez.
El poema que escuché, “This Is a Rehearsal” de Tina Post, rayaba en lo empalagoso: “Luciérnagas en un campo de hierba alta de julio, con mirones cantando su canción nocturna cerca/El océano y su brisa salada/El olor de un pastel horneando.» No importa: el entorno, íntimo y lujosamente económico, era lo ideal.
Otras instalaciones utilizan el marco de ensayo para probar futuros monumentos en honor a un grupo de estadounidenses cada vez más diverso y en expansión. No muy lejos de “Theater for One” hay un adelanto de un monumento planificado por los artistas Samuel Levi Jones y Sam Van Aken y el estudio de arquitectura LAA Office, a las víctimas de un linchamiento en 1930 en Marion, Indiana, un acontecimiento que revuelve el estómago. fotografía de la cual inspiró el poema de Abel Meeropol “fruta amarga”, grabado más tarde por Billie Holiday como “Strange Fruit”. En un lote lleno de césped en el vecindario Bronzeville de Chicago, Estudios de diseño Norman Teague ha erigido un prototipo de madera contrachapada a gran escala de un monumento planificado a los abolicionistas Anna Murray Douglass y Frederick Douglass que se realizará, parcialmente en cobre, en un parque en el West Side que recientemente fue rebautizado en honor a la pareja.
En otros lugares, los participantes, con resultados generalmente felices, optaron por no seguir el tema del ensayo demasiado literalmente. En una galería del primer piso del Fundación Graham para Estudios Avanzados en Bellas ArtesJennifer Newsom y Tom Carruthers, quienes llaman a su práctica Soñar la cosechadora, han creado una exploración coreografiada con precisión de la arquitectura de Minneapolis y el asesinato de George Floyd. Su instalación incluye dípticos de edificios genéricos (pequeñas sucursales bancarias, tiendas de repuestos para automóviles y similares) que desafían las narrativas predecibles sobre la recuperación de la ciudad de los disturbios que siguieron a la muerte de Floyd.
Primero, a la izquierda, se muestra una versión intacta de un edificio, seguida a la derecha por la misma estructura en ruinas: quemada o cubierta con graffitis contra la policía. De hecho, estas no son fotografías de antes y después, como se podría suponer, sino lo que Newsom y Carruthers llaman “después/antes”. La primera imagen es cómo se ve el edificio después de que se ha pagado el dinero del seguro, el edificio ha sido retejado y repintado, los recuerdos de la ciudad en llamas están llenos de agujeros de gusano. El status quo perdura.
Arriba, el artista berlinés Larissa Fassler ha cubierto sus dibujos a gran escala, parecidos a mapas, de Manchester, NH, con un denso texto escrito a mano que combina comentarios sobre una red de seguridad social que se derrumba con fragmentos de conversaciones escuchadas, muchas de ellas agitadas o agraviadas. El resultado es algo así como la biopsia idiosincrásica de una ciudad estadounidense enferma.
Estas dos exhibiciones, en su unión de control artístico constante y política puntiaguda, sugieren cómo podría haber sido una versión menos distraída de la Bienal.
De vuelta en el lado sur, en una porción de la propiedad del estudio del Museo Flotante, el artista Edra Soto instaló “La Distancia / The Distance”, una notable marquesina para autobuses hecha de concreto ornamentado, con patrones inspirados en diseños puertorriqueños y de África occidental, a pocos metros de una parada de autobús de la Autoridad de Tránsito de Chicago. Según Majeed, el plan original era trabajar con la CTA para construir el refugio en la vía pública. Ese proceso se había estancado en la burocracia, dijo.
Fue suficiente para hacerte preguntarte: ¿era la solución que habían elegido, erigir la estructura de Soto en su propia propiedad, donde había pocas reglas de la ciudad con las que lidiar, una forma de adoptar la política a nivel de calle y el compromiso cívico? temas para esta exposición, ¿o eludirlos?
Un golpe para el Museo Flotante fue la oportunidad de utilizar el colorido y vertiginoso atrio del James R. Thompson Center, el hito posmoderno de 1985 que el arquitecto Helmut Jahn diseñó para el estado de Illinois, como sede de la Bienal antes de que Google, un nuevo inquilino. , entra. Dado que las actuaciones musicales son otro tema del espectáculo, entre las exhibiciones hay una recreación del escenario para la intimidad de NPR. Conciertos en Tiny Desk.
Esta era sólo la segunda ocasión, dijo Hulsebos-Spofford, el codirector, en que NPR había aprobado una réplica, o lo que él llamó un «doppelgänger». (“Aparentemente, la única otra vez que se han duplicado es cuando Common se acercó”, dijo, refiriéndose al rapero y al actor). Agregó que actualmente no había presentaciones musicales programadas.
“Estamos trabajando en eso”, dijo Hulsebos-Spofford, en el tipo de actuación curatorial típica de esta Bienal. “Estamos trabajando en eso. Las cosas toman algún tiempo. Ya sabes, Taylor Swift no está reservada para esta noche”.
Entonces, ¿qué debemos hacer con una bienal que rechaza, en formas pequeñas y grandes, la idea de proceder en “un cronograma bienal”? ¿Es esto valentía? ¿Ironía? ¿Un triunfo de lo ad hoc sobre lo pulido y fácilmente comercializable? ¿Una decisión basada en principios para apoyar a las organizaciones comunitarias que hacen un buen trabajo y tienen necesidades obvias, como Urban Growers Collective?
Puede que sean todas esas cosas. O puede ser algo más sencillo. Puede ser lo que sucede cuando se entregan las riendas de una bienal de arquitectura a un colectivo de arte. Por supuesto, verán la arquitectura principalmente como un vehículo para un conjunto de objetivos diferente (en sus mentes, más amplio y apremiante). Sería extraño que no lo hicieran.
Sin embargo, seguramente hay un límite a la disposición de la profesión de la arquitectura a ser utilizada principalmente como fertilizante, por muy deliciosas que terminen sabiendo las verduras cultivadas localmente. Cuando la arquitectura se contenta con operar como todo medio y sin fin –sirviendo agendas pero nunca estableciéndolas– puede estar haciendo poco más que ensayar su propia marginación.
Bienal de Arquitectura de Chicago 5: Esto es un ensayo
Hasta el 11 de febrero de 2024, en el Centro Cultural de Chicago y otros lugares de Chicago; chicagoarchitecturebiennial.org.
