En Sundance, un viaje por carretera trascendente y otras razones para amar el cine
El martes, después de días de vagar por Park City, Utah, quejándome de las películas y de los dolores de cabeza logísticos que presenta esta ciudad turística de montaña, me sentí transportado al Festival de Cine de Sundance que siempre espero, aquella en la que una película me sorprende, me conmueve y tal vez me deleita, y cumple con tanto éxito su promesa que, después de que se encienden las luces, el público ofrece la versión festiva de aleluya con una ovación que hizo temblar el suelo. Lo admito, no esperaba que eso sucediera cuando entré al nuevo local de Will Ferrell.
Ese sería “Will & Harper”, un documental de Josh Greenbaum en el que Ferrell y su vieja amiga Harper Steele, una mujer trans, emprenden un trascendental viaje de descubrimiento a través del país. Ex colegas de “Saturday Night Live”, donde Steele fue escritor principal, han colaborado en otros vehículos de Ferrell, incluida la comedia en español “Casa de Mi Padre”. Aquí, impulsados por el amor y el interés (Steele anhela sentirse más a gusto en público, Ferrell quiere apoyar y comprender la transición de su amigo), profundizan su amistad mientras viajan a través de un país predeciblemente dividido.
Como muchas, si no la mayoría, de las películas de la programación de este año, “Will & Harper” probablemente llegará a los cines y al streaming. Espero que ese sea el caso de otra película sobre la identidad trans: “de Jules Rosskam”.Líneas de deseo”, un documental de bajo presupuesto que no tiene poder de estrella, sólo corazón e inteligencia.
Merece más atención que, digamos, «Es lo que hay dentro», la efectista, fea y nada aterradora película de terror de Greg Jardin. que Netflix compró por la asombrosa suma de 17 millones de dólares. Ofertas de festivales llamativos como este generan mucho ruido, pero siempre hay mucho regateo detrás de escena, así que tengo la esperanza de que “Desire Lines” y algunas de las otras selecciones de menor radar lleguen a una audiencia más amplia.
El amor por el cine es la razón por la que decenas de miles de asistentes continúan reuniéndose en Sundance, que finaliza el domingo. Con 91 largometrajes en cartelera, el programa ha sido algo más ágil este año que en las últimas ediciones; en 2023 presentó 110 funciones. La programación más pequeña y el número reducido de teatros de Park City sugirieron que los rumores acerca de que el festival tenía serios problemas de dinero eran ciertos. También me hizo preguntarme si esta vez el festival realmente iba a abandonar Park City. Cuando le pregunté a Eugene Hernández, director del festival, si el evento se estaba moviendo, respondió: «Park City es nuestro hogar, Utah es nuestro hogar».
En ese caso, seguiré viajando a Utah para deslizarme sobre el hielo y sentarme en la oscuridad porque en enero Sundance es el lugar ideal para los amantes del cine. Desde su fundación en 1985, el festival ha resistido muchos chismes, dramas y cambios, incluso en su identidad como marca cultural, símbolo de independencia artística y actor del ecosistema cinematográfico.
Este año el evento celebró su 40º aniversario, un hito que los organizadores marcaron con proyecciones de restauraciones de ocho éxitos, entre ellos “Go Fish” de Rose Troche (1994), “Napoleon Dynamite” de Jared Hess (2004) y “Pariah” de Dee Rees ( 2011), que en conjunto ofrecen una instantánea del compromiso de Sundance con la diversidad, la inclusión y, sí, el entretenimiento.
En esta muestra faltaba “Sex, Lies & Videotape”, la película de Steven Soderbergh, de 26 años, de 1989 que puso al festival en el mapa proverbial, remodelando la escena del cine estadounidense. “Sex, Lies” obtuvo reconocimiento internacional (ganó los máximos honores en Cannes) y se convirtió en un éxito mundial sorprendentemente lucrativo; también ayudó a convertir a su distribuidor estadounidense, Miramax Films, en un actor importante.
Lo que pasó después fue extraño, a veces genial y a veces completamente loco. El festival estalló, la corriente principal invadió, las estrellas descendieron, los paparazzi pululaban y los principales estudios formaron (y luego cerraron) una serie de divisiones especializadas. Indiewood se convirtió en algo común, para bien y en ocasiones para mal. Sundance no inventó el cine independiente, que siempre ha existido y a menudo ha luchado a la sombra de la corriente principal. Lo que hizo el festival fue darle a un tipo de película independiente lista para el mercado una identidad cohesiva, explotable por los medios y comercialmente amigable que funcionó tanto para el público como para Hollywood.
Dada la historia de Soderbergh en Sundance, era apropiado que regresara este año con “Presence”, una de las selecciones más fuertes y formalmente audaces del programa. Una vez más, se ha asociado con el guionista David Koepp para crear una película inteligente, divertida y placentera que, al igual que su último trabajo conjunto, “Kimi” (2022), hace un uso ingenioso de un espacio físico restringido. Esta nueva colaboración, ambientada íntegramente dentro de una casa familiar destartalada, es al mismo tiempo un melodrama doméstico envolvente y una escalofriante (emocional y de otro modo) historia de una casa embrujada.
La directora Rose Glass (“Saint Maud”) claramente se lo pasó muy bien haciendo “El amor miente sangrando”, un thriller expresionista con sombras y sangre. En otro callejón sin salida estadounidense, una clásica villa en ninguna parte con una amenazadora fuerza del mal (un Ed Harris con una peluca hilarante) y calles convenientemente desiertas (lo que facilita el traslado de cadáveres), un trabajador de un gimnasio (Kristen Stewart) y una culturista (Katy O'Brian). ) se enganchan y caen en una espiral de desastre. La historia se basa en un escenario familiar en el que hermosas forasteras enamoradas no pueden hacer lo correcto porque deben desviarse mal. Para citar el eslogan de un precursor infinitamente mejor, «Bonnie y Clyde»: «Son jóvenes… están enamorados… y matan gente».
Hubo todo tipo de emanaciones en el festival de este año, pero lo que más me llamó la atención fueron las cascadas de lágrimas generadas por personajes masculinos, incluso en “Robar la paz” y “Exhibiendo el perdón”. Escrita y dirigida por el actor británico Chiwetel Ejiofor (quien la adaptó de un libro de Jeff Hobbs), “Rob Peace” dramatiza la desgarradora y exasperantemente injusta historia de vida de su personaje principal (un Jay Will muy conmovedor), un brillante niño de Nueva Jersey. quien trazó un rumbo desde un vecindario pobre hasta una escuela preparatoria y Yale. Llena de actuaciones ricamente habitadas, especialmente de su elenco joven, la película es una versión del clásico luchador estadounidense, aunque atormentado por la familia (Ejiofor interpreta al padre) y un profundo trauma generacional.
André Holland protagoniza “Exhibiendo perdón”, otro drama sobre los lazos que pueden unir y casi destruir a hijos y padres, escrito y dirigido por el artista visual Titus Kaphar. La historia comienza después de que el personaje de Holland, un pintor exitoso llamado Tarrell, recibe una visita no deseada y estremecedora de su padre abusivo del que estuvo separado durante mucho tiempo (John Earl Jelks).
Mientras los personajes se rodean con cautela y enojo, Kaphar explora lo que significa sobrevivir a grandes dificultades personales en un país igualmente brutal. Aunjanue Ellis-Taylor está perdida como madre de Tarrell y hay pasajes incómodos (y escritura desgarbada), pero Holland y Jelks son encantadores y te aplanan emocionalmente.
Algunas otras películas afectaron mis conductos lagrimales, entre ellas “Entre los templos”, la comedia melancólica, a menudo muy divertida, de Nathan Silver sobre un cantor viudo (Jason Schwartzman) cuya crisis de fe se descarrila cuando una ex maestra (una incomparable Carol Kane) regresa a su vida. Un excelente ejemplo de lo que considero una comedia sobre el malestar judío al estilo Albert Brooks, la película explora la identidad con humor y sin una pizca de sentimentalismo.
Sería un proyecto de ley doble apropiado con “un verdadero dolor,”un drama conmovedor, bellamente interpretado y lleno de risas sobre dos primos, interpretados por un brillante Kieran Culkin y Jesse Eisenberg, quien también escribió y dirigió, en un viaje a Polonia. Una exploración de la familia, la fe, la pérdida y el trauma duradero del Holocausto, la película es espectacular; no puedo esperar a verla de nuevo.
