La rotación creativa de la ciudad de Nueva York: la vista desde la pista de baile

¿Alguna vez quisiste hacer el Lindy Hop mientras se balanceaba en el Savoy Ballroom en la década de 1930? ¿Para sacudir las caderas a través de los bailarines de Mambo en el salón de baile de Palladium en los años 50? ¿Posar como en una batalla de moda de los años 80? ¿Todo en un museo? Ahora es tu oportunidad. ¿Necesitas una lección? El Museo de la Ciudad de Nueva York también lo tiene cubierto allí.

En «Urban Stomp: Dreams & Defiance en la pista de baile«Puedes elegir un disco y ponerlo en un plato giratorio. Hasta ahora, tan ordinario. Pero espera. Aquí, girar el disco no solo indica música. La gente, en forma de video, aparece a tu alrededor, bailando e invitándote a unirte a ellos.

La exposición, que guía a los visitantes a través de unos 200 años de danza social en la ciudad de Nueva York, incluye todos los artefactos, fotografías, texto de pared y video que puede esperar en un espectáculo de museos. Pero los dispersos también son monitores de video con expertos amigables que enseñan los conceptos básicos de varios estilos de baile. La pista de baile de video-interactivo llega al final del espectáculo, y la idea es que para cuando llegues allí, sabes algo.

Este enfoque inusual se deriva del tema del programa. En la superficie, «Urban Stomp» se trata de la ciudad de Nueva York como una incubadora, «para la creación de nuevos bailes o préstamos de otros lugares y creando algo nuevo», dijo Sarah Henry, la principal curadora del museo. Pero en un nivel más profundo, se trata de lo que Henry llamó «la constante rotura y la creatividad de Nueva York».

«La remezcla, la mezcla, una conversación de influencia mutua que se remonta al siglo XIX, la promesa de la ciudad, todo lo que se encarna en la pista de baile», dijo Henry.

El primer video tutorial presenta bailes de salón de baile de principios del siglo XX popularizados por Castillo de Vernon e Ireneinfluenciadores blancos de su época que tomaron prestados de los bailes negros y colaboraron con el músico Black Ragtime James Reese Europe. Una vitrina cercana tiene algunos de los manuales de instrucciones de los castillos y un mechón del cabello de Irene, cortado cuando hizo que el Bob fuera de moda. Puedes mirar esas reliquias y luego aprender a bailar el trote de zorro y el caminata del castillo.

La participación se incorpora a la exposición porque el museo está tratando de ser más experimental, pero también porque el tema es la danza. «Una de las cosas que estamos tratando de resolver», dijo Henry, «es cómo hacer justicia a bailar en una exposición. No se queda quieto. No puedes simplemente ponerlo en una caja».

El objetivo, agregó, es una especie de «alquimia entre las cosas inertes que es bastante elocuente»: una invitación al Príncipe de Gales de 1860; un collage de volantes y boletos para clubes de salsa; «Y cosas que tienen tres dimensiones y llevan el cuerpo al espacio»: las trompetas de Louis Armstrong y Miles Davis, los tacones de plataforma de Celia Cruz, el llamativo traje de pista de Big Daddy Kane. «Eso es lo más cercano que podemos llegar a traer a esas personas aquí, y combinados con imágenes históricas y los videos de instrucción, tienes la mejor oportunidad de cobrar vida».

Y si el baile cobra vida, también lo hacen los temas de la exposición. Como dijo el erudito Derrick León Washington, el otro curador del programa, «la pista de baile es un espacio donde las personas forman y reforman ideas sobre identidad, raza y género. Se trata de migración, inmigración, una forma de narración de historias para las personas que podrían haber sido marginadas».

En cierto sentido, «Urban Stomp» es una expansión de «Rhythm & Power: Salsa in New York», que Washington seleccionó en el Museo en 2017. Ese se centró en la mezcla de música y danza afrocaribeña y europea que estaba agrupada bajo el término de la salsa de los años sesenta en la década de 1960. Observó la afluencia de inmigrantes puertorriqueños en la década de 1950 y el predecesor de Salsa en la moda de Afrocuban Mambo de esa época. (El espectáculo fue bilingüe, al igual que «Urban Stomp»).

Después del show de salsa, Washington recurrió a un proyecto comunitario llamado «Urban Stomp: From Swing to Mambo», que extendió la historia de regreso a Swing Jazz and Swing Dances, como el Charleston y el Lindy Hop, desarrollado en gran parte por los residentes negros de Harlem en los años 1920 y 1930.

La exposición «Urban Stomp», que se extiende hacia el siglo XIX y avanzó en el presente, hace más conexiones, incluidas las Bachata y el merengue de los dominicanos cuyos números aumentaron en la década de 1980 y ahora son el grupo de inmigrantes más grande de la ciudad. Una sección cerca de los clústeres finales de moda, hip-hop y el ajetreo: tres géneros que se originaron al mismo tiempo (la década de 1960 a los años 80) en algunos de los mismos vecindarios (Harlem y el Bronx)

«Vogue y el hip-hop y el ajetreo están conversando con bolas anteriores», dijo Washington. «Encontrar y crear espacios para bailar, diferentes formas de ser inclusivas o exclusivas, diferentes disfraces y regalías».

Dando un recorrido por la exposición, Washington señaló un vestido usado en Studio 54 en la década de 1970 y cómo se parecía a un vestido de tango en otra galería, usado por el Castillo de Irene unos 60 años antes. «Lo mismo cambiante», dijo. Del mismo modo, un visitante que sigue a los tutoriales podría notar un paso aprendido en la sección de swing que recurre bajo un nombre diferente en la parte del hip-hop.

Washington enfatizó cuán cuidadosamente el programa atiende muchos tipos de diversidad. Género, raza y etnia, por supuesto. Pero también hay diversidad de edad, distrito y tipo de cuerpo. Los tutoriales, tan breves y básicos que son, también revelan diversidad dentro de cada forma de baile: las muchas variedades de salsa o moda y las distinciones entre ellos (Salsa On2, Vogue Femme) o los bailes de fiesta de hip-hop de varias generaciones (el parche de col, el resistente).

Lo más importante, dijo Washington, fue el aporte de líderes de cada comunidad de baile. Las lecciones de moda son impartidas por Lefierce Labeija de la Casa real de Labeija. Fundada por Crystal Labeija en 1972, esta casa real fue la primera de las casas de salón de baile: casas y familias elegidas para personas queer de color.

«Estamos muy orgullosos de tener 10 meses para mostrar quiénes somos y de qué tratamos», dijo Jeffrey Bryant, el supervisor general global de la Royal House of Labeija. Estar en el museo, agregó: «Es una declaración radical para decir: 'Estamos aquí y estamos obteniendo nuestro solo debido'».

«Gran parte de nuestra cultura está ahora en la sociedad pop», dijo. «No nos importa que lo admiren, pero nos gustaría que sepan que hay una historia válida. Queremos aprovechar la plataforma para dar a las personas un poco más de educación».

Como ejemplo, Bryant ofreció el Swanning gota al piso llamado salto: «Me gustaría que se declarara que Kiddie Liddah Labeija», el nombre de la casa de Bryant, «dijo que no se llama la muerte de la muerte y que definitivamente no se llama shablam. Se llama un chapuzón».

Karel Flores, uno de los instructores de salsa del espectáculo, dijo que los bailes de afro latino como la salsa «a menudo ni siquiera son parte de la conversación», cuando se presenta la historia del baile. «Este es un verdadero paso adelante, para que se nos dé el lugar que merecemos».

Aunque la exposición no puede ser exhaustiva, se aprieta en muchos más bailes en una sección final llamada «Tradiciones remezcladas». Se reunieron aquí las combinaciones de ciudades más nuevas: la cumbia colombiana que se ramificó en un estilo de Nueva York, el Punjabi Bhangra que se mezcló en fiestas hip-hop y bloque de chinos. Una señal de la escena urbana de Dance dice: «Cualquiera puede pedirle a cualquiera que baile».

«Lo que se conecta desde el comienzo del espectáculo hasta el final», dijo Henry, «es que no hay nada fijo que sea baile en Nueva York. Nunca hubo y nunca lo habrá».

Pero lo que atrae la mayor atención en la habitación final es la pista de baile, que invita a su música y cuerpos en movimiento, virtuales o vivos.

«A la gente le encanta la pista de baile», dijo Washington. «Y las personas que se mezclan con otras personas en otras comunidades de baile es la idea completa».

Durante la recepción de apertura, dijo, un grupo multiétnico de visitantes bailó el Dabke, una forma compartida por varios pueblos del Medio Oriente. «Lo grabaron y lo enviaron todo, como si dijera: 'Así es como podría ser el mundo si pudiéramos bailar entre nosotros por un momento».

Los eventos conectados fomentan aún más compartir y mezclar. El 12 de abril, había una fiesta de salsa con música en vivo. Un Ball Vogue se llevará a cabo el 16 de mayo, con eventos y clases adicionales en proceso.

Y, hasta que «Urban Stomp» se cierre en febrero, está esa pista de baile. Henry estaba de pie recientemente cuando un visitante que no sabía que trabajaba en el museo se le acercaba.

«Puedes salir», le dijo el visitante. «Todos pueden bailar».