Si vas esta temporada a “La Bohème” en el Metropolitan Opera y estás convencido de que el gran ventisquero del Acto III parece un poco más fresco de lo habitual, no estás alucinando.
Una donación millonaria de un miembro de la junta directiva pagó recientemente por la empresa para reconstruir algunos de los decorados para la inmortal producción de Franco Zeffirelli de 1981 del clásico de Puccini, y la nieve que domina una escena invernal en las afueras de París fue uno de los objetivos. Ahora parece más recién caído, aunque la unión entre la pieza del escenario y el piso del escenario era tremendamente obvia desde el nivel de la orquesta el sábado por la noche.
Un poco de nieve más blanca fue la noticia de esta “Bohème”, junto a un Schaunard inusualmente asertivo y elegante del joven barítono Sean Michael Plumb, en un pequeño papel que a menudo se desvanece en los abundantes fondos de Zeffirelli.
La concentrada soprano de Federica Lombardi creó una Mimì más franca, incluso indignada, que la norma, haciendo que su fatal Acto IV fuera más tierno en comparación. El bajo barítono Christian Van Horn cantó una sobria y resonante “Vecchia zimmara”, y la soprano Olga Kulchynska fue una brillante Musetta. Como Rodolfo, el veterano tenor Matthew Polenzani forzó su voz en los clímax, pero por lo demás a menudo sonaba descolorida y con algunos pelos planos.
Los decorados para la puesta en escena de David Alden en 2012 de “Un Ballo in Maschera” de Verdi en el Met no han sido reconstruidos, pero, con sólo 11 años de edad, a veces parecían temblorosamente resistentes a ser movidos cuando la ópera fue revivida el viernes.
Aquí, el elenco fue la parte emocionante, al menos al final de la velada. La actuación pareció asentarse a medida que avanzaba, y el tono del tenor Charles Castronovo como Gustavo (pálido durante gran parte de la ópera) finalmente adquirió más color, plenitud y libertad.
Y tras un comienzo incierto, la soprano Ángela Meade entregó una Amelia memorable. Su sonido es esencialmente genial, pero se volvió más pleno y más inflamado a medida que se desarrollaba la extraña y trágica trama, terminando delgada pero brillante, como un atizador al rojo vivo.
Un cantante no requirió calentamiento: el barítono Quinn Kelsey, que parece cada vez más un pilar del Met, particularmente en Verdi. “Ballo” es la historia de un rey sueco, Gustavo, que está enamorado de Amelia, la esposa de su amigo más cercano, y Kelsey interpreta a Renato, el amigo agonizante que pasa de ser el confidente de Gustavo a su asesino.
Con su presencia corpulenta y melancólica, Kelsey tiene el atributo operístico más especial: una voz instantáneamente reconocible, espaciosa y de mal humor, con un toque ahumado, ligeramente nasal, burlón y siniestro, pero también una suavidad seductora fundamental y una elocuencia matizada.
Sus arias consecutivas y las de Meade en el tercer acto (su súplica “Morrò, ma prima in grazia” en su herido “Eri tu”) fueron juntos el punto culminante musical del viernes. La mezzosoprano Olesya Petrova cantó Ulrica con potencia constante, y la soprano Liv Redpath sonó lúcida y gentil como el vivaz paje Oscar. Carlo Rizzi, uno de los maestros del Met en el repertorio italiano a menudo subestimado, dirigió tanto “Ballo” (con firmeza) como “Bohème” (con suntuosa claridad).
“Ballo”, que se estrenó en 1859, es del período posterior al trío canónico de Verdi de “Rigoletto”, “Il Trovatore” y “La Traviata”, y antes de sus epopeyas tardías “Don Carlos” y “Aida”. En este período intermedio (pensemos también en “Les Vêpres Siciliennes” y “La Forza del Destino”, que el Met presentará en una nueva producción este invierno) experimentó con matices de ambigüedad emocional y, a veces, yuxtaposiciones de tono discordantes.
En “Ballo”, combinó elementos del melodrama italiano y el buen humor francés con champán en una mezcla que puede ser emocionantemente volátil. La puesta en escena de Alden es una especie de explosión Art Déco estilizada, en gran parte en escala de grises, con un grado de exceso extraño que pretende hacer eco del de la pieza, como un número de producción de Busby Berkeley al final de la primera escena, completo con camareros bailando; y, en el Acto II, un conspirador arrojándose frenéticamente contra una pared.
Con decorados severamente inclinados, iluminación enfermiza y toques surrealistas como máscaras de calaveras y alas de ángel, Alden sugiere que gran parte de la ópera es el sueño febril o la fantasía de Gustavo. Pero la misteriosa elegancia de algunos momentos se difunde en otros lugares hasta convertirse en cierta incomodidad, con el coro dando vueltas. Cuando se estrenó, la producción parecía como si sus muchas ideas aún no se hubieran concretado. Todavía no lo han hecho.
