Que la muerte de Iris Apfel, la influencer geriátrica cuyo idiosincrásico sentido del estilo personal la convirtió en una estrella de la moda cuando tenía más de 80 años, ocurriera justo en medio de la Semana de la Moda de París fue sorprendente y extrañamente apropiado. Todas las apreciaciones de su vida y su vestimenta se han ido sumando a recordatorios puntuales de cómo todo este circo se relaciona con el arte de vestir y la forma en que la ropa puede ser una interfaz con el mundo de la manera más expresiva y original.
Estuve pensando mucho en eso durante el fin de semana, en parte debido a los diseñadores aquí que, como Apfel, han construido imperios (o al menos pequeños feudos) con la voluntad de seguir su propio camino: Rick Owens, Yohji Yamamoto. Diseñadores con un profundo conocimiento de las reglas y la historia de la moda y una capacidad igualmente poderosa para reescribir ambas e imaginar un mundo diferente. Uno cuyos uniformes pueden parecer extraños y escandalosos, pero que crean una sensación de posibilidad emocionante: ropa como hojas de permiso para pensar fuera de lo común.
Y también porque en el debut de Seán McGirr en Alexander McQueen, una casa que alguna vez hizo todo lo anterior, todo quedó muy confuso.
Un paso en falso de McQueen
McGirr tuvo la complicada tarea de reemplazar a Sarah Burton, la suplente de McQueen durante mucho tiempo, quien estabilizó la marca después del suicidio del diseñador en 2010 y la hizo suya, agregando un toque de gracia al romance enojado y al alza. imaginación que recorrió cielo y tierra y que, combinada con un gran dominio técnico, definió el nombre McQueen.
En otras palabras, McGirr es el primer diseñador que lidera la marca sin ninguna conexión particular con ella, y eso se demostró. En una vista previa, habló con entusiasmo sobre la colección de primavera de 1995 del Sr. McQueen, The Birds, así como sobre el East End de Londres, sus bordes ásperos y sus rebeldes, pero el resultado se parecía a McQueen, la versión de baile de TikTok. Tenía energía, pero no profundidad.
Había algo de sastrería elegante: trajes de pantalón ajustados cubiertos con pedazos rotos de azabache con chalecos de piel de oveja que explotaban desde adentro. Había suéteres gigantes que parecían tragarse enteras a las modelos, sobre pantalones de cuero. Un vestido sin mangas cubierto con lo que parecía vidrio roto, inspirado en la pantalla rota del teléfono celular de McGirr. Algunos minivestidos de acero moldeado, como chasis de automóvil portátiles (olvídate de sentarte).
Había zapatos para cascos, en un guiño a los zapatos de armadillo del Sr. McQueen, a veces completos con pequeñas colas en la parte trasera. También bolsas de zapatos: tacones de aguja dentro de bolsas reales. Las modelos caminaban con la frente hacia adelante en una parodia del furioso pisotón. Pero ese no era el tipo de ropa que te hacía querer enfrentar un desafío.
Para ser justos, esa bien podría haber sido la misión del Sr. McGirr: ¡hacerlo más joven! ¡Hazlo más accesible! ¡Hazlo más cada día! Ése parece ser el mantra estos días para los ejecutivos que temen una desaceleración del sector del lujo. El problema es que la facilidad nunca ha sido el objetivo de McQueen; ha sido todo lo contrario.
En el avance, McGirr dijo que el primer desfile de McQueen que recordaba era Voss, la colección de primavera de 2001 que presentaba modelos atrapadas en un sanatorio transparente, vestidas con ropa hecha de plumas y conchas de ostras, desmoronándose silenciosamente mientras el público miraba. . “Creo que cuando vi a Voss pensé: 'Oh, realmente está tratando de decir algo'”, dijo McGirr. “Porque, obviamente, McQueen, siempre hay un mensaje en la ropa. Tiene que haber.»
Él estaba en lo correcto. Sin embargo, si tal mensaje existe en esta colección, fue imposible identificarlo. Tal vez la próxima vez.
El poder de la voz personal
En cualquier caso, cuando se trata de visiones singulares, pocas han sido tan claras u originales como Rick Owens, cuyas grandes visiones combinan las ambiciones épicas y el glamour de Cecil B. DeMille con la rareza marciana y una pizca de sexo sucio, ofreciendo la promesa. de un futuro mejor para los alienados y los extravagantes. Aún así, lo más extraño de su colección de esta temporada, mostrada en su casa/sede en el corazón del establishment francés detrás de la Assemblée Nationale, fue lo… bueno, ponible que era.
La silueta característica de Owens todavía estaba allí: bulbosa en la parte superior, atenuada en el medio, cimentada en la parte inferior con lo que el diseñador, detrás del escenario, llamó sus botas piramidales lunares, de modo que el cuerpo parecía un trozo de caramelo estirado entre dos postes. También lo era el extremo: vestidos hechos con rollos de cuerdas. Pero también había vestidos acanalados tejidos al bies, como los vestidos más acogedores del cine, y amplias capas de Maid Marian; incluso ponchos con la palabra “Porterville”, la ciudad del centro de California donde creció Owens y de la que escapó, salpicada en el frente. ¡Ponchos! ¿Qué?
“Ahora no es el momento de fuegos artificiales y bombas de humo”, dijo Owens antes del espectáculo. «Ahora es el momento de que todos se unan y se conecten». En lugar de grandilocuencia, ofreció bálsamo, pero sin recurrir al caparazón de la normalidad.
Esto también se aplica a Yohji Yamamoto, otro de los grandes diseñadores de nuestro tiempo, que se ha mantenido fiel a su propia exploración cada vez más intrincada y detallada de la historia y las emociones, incluso cuando ha entrado y pasado de moda. En esto es como su amigo Azzedine Alaïa, y como Alaïa, cuya decidida búsqueda de su propia estética lo hizo primero rechazado y luego redescubierto como una especie de gurú antes de su muerte en 2017, Yamamoto debe ser reelegido. un ajuste de cuentas.
Es el último gran romántico de la moda, y lo que hace extraordinario su trabajo es que mientras se desliza a través del tiempo y de las referencias, sumergiéndose en una época aquí, otra allá, también los transforma, plegándolos en una especie de cinta de Möbius, todas las ideas del diseñador. propio.
Esta temporada eso significó geometrías Brancusi y trajes eduardianos que expusieron polisones como el origami de orquídeas, una combinación que apareció en una forma diferente en Junya Watanabe. Ofreció una especie de combinación de escultura, chaquetas de motociclista y papel tapiz floral en el que las matemáticas se encuentran con la burguesía que, como el trabajo de Yamamoto, sumaba mucho más que la suma de sus partes. De un sobrio abrigo negro colgaban cinturones de motociclista con tachuelas, que parecían pancartas heráldicas o fajines de Miss Universo, como si un punk hubiera irrumpido no sólo en el gallinero, sino también en el santuario interior.
Una lección para recordar
No es insignificante que el Sr. Owens y el Sr. Yamamoto sean dos de los pocos diseñadores independientes importantes que trabajan hoy en día: diseñadores que comenzaron de la nada con sus propios nombres y construyeron sus marcas como mejor les pareció, permitiéndose el lujo de desarrollar sus propios puntos. de vista y lenguaje material.
Y resulta difícil no preguntarse qué pasaría si a alguien como McGirr se le permitiera diseñar bajo su propio nombre, en lugar de que se le pidiera que asumiera el papel de leyenda.
¿Qué pasaría si los grandes grupos, como Kering, propietario de McQueen, invirtieran en crear nuevas marcas, en lugar de preservar y resucitar las antiguas y recurrir a diseñadores para reinventarlas, pero no demasiado? ¿El equivalente a exigir que empiecen a hablar en lenguas?
Al crear marcas que podrían ser, en palabras del músico Robert Fripp, “resplandecientes en divergencia”, como las deliciosamente extrañas creaciones de Kei Ninomiya de Noir. Como demostró la Sra. Apfel, ese puede ser el mejor look de todos.
