La artista estadounidense de ensamblaje Betye Saar pasó su infancia rescatando cosas perdidas, desechadas y olvidadas, como pequeñas cuentas de vidrio, collares rotos y trozos de papel de colores abandonados en los contenedores de basura o esparcidos por el suelo por donde caminaba. Nacida en 1926, se crió durante la Gran Depresión y, por eso, me escribió Saar recientemente, le enseñaron a “usarlo, desgastarlo, hacerlo funcionar o prescindir de él”. Ese manifiesto ha guiado tanto su hábito de toda la vida de coleccionar curiosidades y reliquias (adquirido durante sus viajes a Nigeria, Senegal, México, Haití y Brasil, y en reuniones de intercambio en su ciudad natal de Los Ángeles) como su trayectoria de más de 60 años. práctica artística, que de manera similar reúne y recontextualiza símbolos y tótems de la diáspora negra. «Mi hija Tracye me llama un acaparador que encontró su vocación», dice Saar. Algunos de los objetos que colecciona Saar han permanecido sin uso en su estudio de garaje reformado durante años antes de encontrar su camino en una de sus obras de arte. Saar, que tiene 97 años, decide qué alcanzar basándose en algo a lo que se ha referido a lo largo de los años como “ingenio materno”: ella siente cuando una estatua de madera, una muñeca antigua o una daga oxidada piden ser utilizadas. Saar considera que este proceso de selección es sagrado. «Siempre he sentido que los objetos viejos tienen poder», dice. “Han sobrevivido y tienen un sentimiento de pertenencia al dueño anterior. Tienen espíritu”.
En su estudio, adjunto a su casa adornada con tejas y con un jardín vigilado en el barrio Laurel Canyon de Los Ángeles, mantiene una estantería de metal curvada que se asemeja a la proa de un barco, que le pasó su nieta, que la había comprado en un subasta. Me recuerda a una de sus obras más recientes: la instalación a gran escala “A la deriva hacia el crepúsculo”, una canoa antigua de 17 pies de largo que se asienta sobre un lecho de zarzas cosechadas en los terrenos de la Biblioteca Huntington, el Museo de Arte y el Jardín Botánico del condado de Los Ángeles. La escultura, que estará expuesta en el museo hasta noviembre del próximo año, ha sido alterada imaginativamente por Saar. Añadió madrigueras de madera en ambos extremos del barco para alterar la embarcación fabricada con la deliciosa deformidad de la naturaleza y, dentro del barco, en lugar de pasajeros, instaló astas, algunas de las cuales están unidas a las partes recuperadas de un viejo barco. tiovivo. La canoa, en sí misma un símbolo de los primeros Estados Unidos y de la larga historia de comercio y migración forzada del país, muestra otras astas dentro de jaulas antiguas. Estos últimos objetos se repiten en la obra de Saar como una abreviatura del cautiverio. Durante décadas, la propia carrera de Saar estuvo limitada por los prejuicios del establishment artístico; aunque constantemente ha exhibido y vendido ampliamente su trabajo, no fue hasta que cumplió 90 años que los principales museos e instituciones se dieron cuenta.
“'Drifting Toward Twilight' es verdaderamente un trabajo heredado; es un círculo completo”, dice Saar. “Solía venir al Huntington con mi madre cuando era niña. Le encantaba la jardinería, especialmente las violetas africanas, y me transmitió ese amor por las plantas y la naturaleza”. Saar creció en Watts, uno de los barrios históricamente de clase trabajadora de Los Ángeles, antes de que su familia se mudara fuera de la ciudad, a la más próspera Pasadena, no lejos de los terrenos del museo. Al comenzar su carrera como grabadora, encontró el trabajo de Joseph Cornell en el Museo de Arte de Pasadena en 1967, después de lo cual Saar comenzó a experimentar con lo que se convertiría en su estilo característico de técnicas mixtas. «Eran hermosos, divertidos y fascinantes», dice Saar sobre los ensamblajes de cajas de sombras de Cornell, muchos de los cuales estaban hechos de basura reutilizada. «Vi su trabajo y me di cuenta de que estaba bien hacer arte a partir de cualquier cosa». Una de sus piezas más famosas combina la influencia de Cornell con un espíritu activista: “La liberación de la tía Jemima” (1972), un montaje que se centra en una figura despectiva de una mamá parada sobre un lecho de algodón. Creada a raíz del asesinato del reverendo Dr. Martin Luther King Jr. en 1968, la muñeca de Saar le dio la vuelta a la caricatura de las mujeres negras como sirvientas domésticas; armándola con un rifle y una granada de mano, Saar convierte a la tía Jemima en una heroína, una protectora y una revolucionaria autoemancipadora.
Casi seis décadas después, los ensamblajes del artista continúan reuniendo referencias y símbolos aparentemente dispares, transformándolos en tributos al poder negro. En La exposición individual de Saar En Roberts Projects en Los Ángeles, que cierra mañana, ocho pequeñas cajas decorativas contienen máscaras antiguas, textiles antiguos y objetos efímeros tallados a mano. Estos objetos se yuxtaponen junto con detritos digitales (placas de circuitos, resistencias) que recubren las cajas de madera como si fueran papel tapiz. Saar ha estado recolectando piezas de computadoras desde una residencia de un mes en el MIT en 1987, pero los restos que se exhiben en Roberts Projects provienen de su nieto, que se estaba deshaciendo de un dispositivo viejo.
A lo largo de los años, Saar se ha mantenido singularmente comprometida con su arte. “Hago arte porque disfruto el proceso de crear, de encontrar objetos interesantes y juntarlos para crear un sentimiento o contar una historia. Si te gusta mi obra de arte, está bien. Si no lo haces, también está bien”, afirma. Ella describe su casa como “un altar formado por minialtares”. “Tengo ventanas grandes para ver las colinas de mi cañón, para ver la naturaleza. Tengo mis estudios llenos de cosas para hacer arte. Tengo todo lo que necesito.» Desde esa casa en las colinas, Saar escribió respuestas al Cuestionario del Artista de T.
¿Cómo es tu día? ¿Cuánto duermes y cuál es tu horario de trabajo? ¿Cuántas horas de trabajo creativo crees que haces en un día?
Bueno, me gusta mi cama. Cuando me despierto, puedo girarme y mirar por la ventana y ver mis plantas y algunas casas en la colina. Entro en mi día con calma a menos que tenga una cita o reunión. Después de desayunar y vestirme, entraré al estudio y tal vez trabaje en algunas acuarelas. Mi hija Tracye es la directora de mi estudio y, cuando ella termine, haremos cosas de oficina o trabajaremos juntas en proyectos más grandes. Me canso un poco alrededor de las 5 de la tarde y empiezo a terminar las cosas. Después de todo, tengo 97 años.
¿Cuál es la primera obra de arte que hiciste?
Todavía tengo un dibujo con crayones de cuando era niña. Pero supongo que mis primeras obras de arte son mis grabados de los años 60. Mis ensamblajes llegaron más tarde, en los años 70.
¿Cuál es el peor estudio que has tenido?
No diría que alguna vez he tenido un mal estudio. Claro, las cosas pueden haber sido pequeñas, incómodas o inconvenientes (solía tener bandejas de ácido para grabado cuando había niños pequeños cerca), pero siempre me conformé con lo que tenía. Si tienes un estudio pequeño, haces arte pequeño. He sido muy afortunado de poder agregar un estudio a mi casa y tengo un estudio trailer de Airstream en el desierto.
¿Cuál es la primera obra que vendiste?
Creo que la primera obra de arte real que vendí fue una pequeña caja esmaltada. Había estado haciendo artículos de regalo esmaltados con un amigo, el artista y educador Curtis Tann, y teníamos un negocio llamado Brown & Tann. (Brown era mi apellido de soltera). Más tarde, en los años 60, comencé a vender mis impresiones.
Cuando empiezas una nueva pieza, ¿por dónde empiezas? ¿Cómo sabes cuando has terminado?
Empiezo con los materiales encontrados. A veces es una vieja caja de madera, a veces es un objeto que se coloca dentro de una caja. Combino y altero objetos e intercambio cosas en una especie de flujo de conciencia. Sé cuando se siente bien. Sé cuando se siente completo.
¿Escuchas música cuando haces arte?
Me gusta el silencio. A veces un asistente toca música clásica en voz baja, pero prefiero el silencio y mis propios pensamientos. Me gusta escuchar los sonidos de fondo de mi casa y mi barrio.
¿Cuándo te sentiste cómodo por primera vez diciendo que eres un artista profesional?
Siempre me atrajo el arte y la creación desde que era niña. Recibí una licenciatura en Diseño de UCLA e hice mis diseños de tarjetas de felicitación y artículos esmaltados, luego comencé a aprender grabado. Seguí probando nuevos medios y, cuando encontré el arte del ensamblaje, todo me pareció bien. Sentí que todo realmente salió bien cuando recibí [my first] Obtuve una beca del Fondo Nacional de las Artes en 1974 y entonces me di cuenta de que era un artista.
¿Hay alguna comida que repites cuando estás trabajando?
No tanto una comida como algunas cosas que siempre están en mi lista de compras: sandía fresca y Dr Pepper. De vez en cuando una hamburguesa In-N-Out.
¿Qué es lo último que te hizo llorar?
He tenido muchas muertes en mi familia recientemente. Supongo que eso es lo que pasa cuando envejeces.
¿Qué sueles ponerte cuando trabajas?
No me gusta pasar frío, así que uso muchas capas. Pantalones deportivos cómodos, camisetas, franelas y tal vez un chaleco Uniqlo. Si estoy haciendo algo desordenado, uso una camisa vaquera grande a modo de bata.
¿Qué te avergüenza?
No mucho, porque tengo 97 años y ya pasé por eso, lo hice y seguí adelante.
¿Qué estás leyendo?
Me suscribo a The New Yorker, pero es difícil mantenerme al día. Compro muchos libros de arte que hojeo, incluidos algunos de mis propios catálogos. Recientemente autografié una copia del catálogo de mi exposición “Still Tickin'” (2017) para un vecino. ¡Es un libro realmente bonito!
¿Cuál es tu obra de arte favorita de otra persona?
Hay muchos artistas cuyo trabajo admiro, como Joseph Cornell, Charles White, Suzanne Jackson, Nick Cave, David Hammons, Gustav Klimt y, por supuesto, mis hijas Lezley y Alison Saar. Pero supongo que mi obra de arte favorita es la de Simon Rodia. Torres Watts. Cuando era niño, visitaba a mi abuela que vivía en Watts y caminábamos por las torres mientras Simon las hacía. No sabíamos qué diablos estaba haciendo, pero era hermoso. No sabía que era arte porque estaba acostumbrado a ver pinturas pero, sin que yo lo supiera en ese momento, fue muy formativo para convertirme en artista, y especialmente en artista de ensamblaje.
Esta entrevista ha sido editada y condensada.
